#BAFICI2016 La Trilogía del amor (al cine)

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Hablemos de amor….

El que se desprende de la conversación angustiada de un director de cine ruso con su amigo marino que atraviesa un mar que de tan indomable amenaza con devorar los containers repletos de valiosas obras de arte.

O el que se siente en la mítica conversación entre dos directores uno más joven pero muy talentoso y el otro un monstruo sagrado, que urdieron unos diálogos fundamentales para el cine como lo fue para la filosofía los de Platón con Sócrates como personaje.

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O tal vez desde la larga y fructífera relación de una pareja destinada a ser amados por todo Hollywood por los trabajos que ambos realizaban con gran profesionalidad: él en diseño visual (storyboard) anticipando las tomas de una escena  y ella dese las investigaciones (Films research) para que las películas no solo sean creíbles sino también verídicas.

Quizás no haya amor más proactivo y creativo que el amor al arte, es pasión que nos libera, que nos cura que nos ilumina…

Kenet Jones, Daniel Raims y Alexander Sokurov lo saben y los trasmiten, responsables de tres films que han emocionado al espectador.

Hitchcock / Truffaut, Harold and Lilian y Francofonía son esos films que uno espera que no terminen nunca y que cuando nos dejan, nos dejan llenos de ideas y emociones de frases e imágenes para pensar y disfrutar.

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Hitchcock/Truffaut

“No hay cineasta vivo que no lo haya leído o, mejor, que no recuerde de forma precisa el momento exacto en el que lo descubrió. Algo cambió en todo profesional del cine el día que se cruzó con él” Kent Jones

Si cerrara  los ojos y solo escuchara esas voces  lejanas, metálicas de estos dos monstruos  que en la oscuridad nos deleitan con esa conversación respetuosa pero nada complaciente donde cada uno esgrime sus mejores argumentos sin ningún ánimo de competencia,  el padre y el hijo, el maestro y el aprendiz, el amor es más fuerte (y algo del cine nacional había que poner…).

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Se habían conocido en Francia, más precisamente en la costa azul cuando François  lo entrevistó junto a Claude Chabrol durante el rodaje de Atrapa a un ladrón (1955), de allí en más empezó a madurar en Truffaut la idea de una mega entrevista con el maestro del suspenso. Intentó la tarea imposible de ver casi todos sus films. Los de la etapa muda y la sonora, los de blanco y negro y lo de color, de Inglaterra y de Hollywoood, un material imposible para una entrevista utópica.

EL resultado de esos ocho días de conversaciones se transformó en el libro El cine según Hitchcock que se publicó en 1966 tras un arduo y prolongado trabajo de transcripción, edición y corrección sobre corrección. El fotógrafo Philippe Halsman inmortalizó el momento en el que se miran los dos hombres que cambiaron la historia de ver el cine.

Truffaut era muy consciente de la importancia futura del y lo trató  como si fuera una película más, quizás como su mejor obra y en cuando trascendencia tal vez lo sea…

No nos engañemos a pesar del título es una película eminentemente sobre Hitchcock y no está mal porque el francés solo tenía en ese momento tres películas filmadas que aunque muy buenas no podían igualarse a las casi cincuenta de Don Alfredo y ´por encima de esa cantidad, la profunda influencia que había producido con ellas.

Kenet Jones no solo rescata esos magníficos testimonios grabados sino que lo va mechando con entrevista a directores como Martin Scorsese, Paul Schrader, Peter Bogdanovich, James Gray, David Fincher, Wes Anderson, Olivier Assayas y Arnaud Desplechin (sorprende que no estén ni Brian de Palma ni Steven Spielberg sus más puntillosos seguidores) con lo cual es un homenaje a Hitchcock, a  Truffaut y al cine.

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El libro es también una especie de salvación mutua. Truffaut le muestra a la crítica como leer la obra de Hitchcock y este torna visible y destacado las cualidades de ese joven francés que puede reunir cualidades que no suelen estar en un solo director como talento y erudición, sensibilidad y concepto.

El final se produce con la misma magia del comienzo,  Truffaut  le describe a Hitchcock  la escena de Los cuatrocientos golpes en la que el niño Antoine Doinel se cruza con su madre y el amante de esta, ella preocupada le dice Creo que nos viópreferiría que la madre no hubiese dicho nada al final de la escena dice Hitchcock y el silencio de François  es la última lección, lección que el libro diseminó entre los miles de cinéfilos del planeta.

Por su libro y por sus films Truffaut quizás haya sido el director de cine francés con más empatía en los cineastas norteamericanos más inquietos y lúcidos nacidos a fines de los 50’ sino observen el hermoso papel que como homenaje y juego  le fuera reservado por Spielberg en Encuentros cercanos del tercer tipo.

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Harold and Lilian. A Hollywood Love Story

A Daniel Raims le importa esos artistas sin prensa, solo reconocidos por los que frecuentan los  sets de filmación, es decir que estamos ante un film que solo oueden hacer la gente que hace cine.

The Man on Lincoln’s Nose fue su anterior film (nominado al Oscar) que hacía visible los trabajos de Robert Boyle  (North by Northwest de Hichcock donde se extrae el título del film)  uno de los mejores directores de arte de Hollywood. Con Harold y Lillian Michelson si bien la operación es similar aquí también se relata la historia de una pareja de 60 años de convivencia que además trabajaron juntos en films de la época dorada de Hollywood. Historia de la pareja y la Historia de Hollywood se funden.

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Lilian era amiga  de la  hermana de Harold y al poco tiempo de conocerla le pide matrimonio hecho que a una huérfana como Lillian la hizo dudar un tiempo. Cómicamente indica que fue su suegra (al desalentarla)  la que la convenció de formar pareja con Harold para vivir juntos una vez que  Harold terminara su servicio militar.

Harold en la Segunda Guerra Mundial había revistado en un Bombardero teniendo la función de bombsigting (soldado que calcula el lugar preciso donde caerá la bomba) y también de artillero con lo que su mirada se fue entrenando a través de esos visores y mirillas que luego simularía a la hora de construir sus guiones gráficos.

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Los trabajos  de Harold fueron  fundamentales para películas como Los Diez Mandamientos y The Birds y las investigaciones de Lillian sirvieron a la credibilidad de los Films. Para ese efecto ayudó a montar y supervisar una de las bibliotecas de investigación más exhaustivos y útiles en toda la industria cinematográfica estadounidense que además servían de  lugar de reunión  y de consultada permanente de  productores, directores y actores quiénes como Danny DeVito (productor ejecutivo del film)  consideraban a la pareja como las armas secretas de Hollywood ya que mejoraban la calidad de las películas en las que trabajaban.

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El film es una delicia ya que logra hacer una miscelánea dinámica entre dibujos, blocs de notas, entrevistas, partes de films clásicos  y filmaciones caseras de estos verdaderos héroes anónimos.

En la vida y en al Arte el contigo pan y cebolla  funcionó en esta pareja que conoció más las sombras que las luces, que a la par que trabajaban criaban a tres chicos (uno discapacitado)  y a quienes el reconocimiento les llegó tarde pero su historia, esa historia que combina amor y arte quedarán en nuestras memorias bastante más que lo que dura cualquier cinta

Danielle Raim elabora un tributo al artista desconocido, al amor, a la tolerancia y al arte en un film repleto de emociones a la par que nos va informando cuan importantes son estos artistas  sin crédito en una disciplina donde el equipo es todo más allá de lo que la prensa liberal necesite  y el Business reclame como glamour y escándalos,  en la calidad de cada detalle está la industria  y Raim lo entiende así.

DreamWorks, que se hizo cargo de la biblioteca de Lilian realizó  un cálido homenaje en su film de animación Shrek denominando a los reyes y padres de Fiona como Harold y Lilian.

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Francofonía – Alexander Sokurov

¿Qué depositamos en las obras de Arte? ¿Nuestra Salvación? ¿Nuestra vanidad? ¿La esencia de nuestra civilización? ¿El amor al arte y a la creación?

El film de Sokurov no podría decir si contesta todas esas preguntas pero nos la formula y quizás sea más valioso los interrogantes que produce un film más que las respuestas.

Todo Arte es un embajador de lo que somos, de cómo vivimos y como experimentamos esto que llamaLa-Antigua-Grecia-en-el-Museo-del-Louvremos vida en una palabra sublime: Amor. Y si de amor hablamos el film de Sokurov concentran el amor al arte, a la verdad histórica (si algo parecido puede existir) a una lengua y a una cultura como indicara en su texto Alejandra Portela nota a la que se puede acceder al link en el titulo del film y que recomiendo por lo sintética y precisa.

El Louvre se erige en un lugar histórico central en la historia de Francia y en la historia del Arte, allí se fundó Paris y en su interior se estimulaba a las futuras generaciones de pintores y artistas a que el museo necesitara más y más espacio.

 

Tanto prestigio e importancia política iba consolidando el museo que fue alimentado por las aventuras imperiales de Napoleón (que como fantasma recorre el museo) y fue preservado por las huestes nazis durante la ocupación de Francia en la segunda guerra mundial.

Allí Sokurov marca una diferencia a como los alemanes trataron a ese otro coloso de Europa como el Hermitage Ruso (excelentemente reflejada en su film el Arca Rusa)  cuyas obras debieron ser defendidas por los mismos que repelían la invasión nazi.

Francofonía es también una reflexión por ese gran barco que se llama Europa, que hoy transita una  gran incertidumbre moral, social y política como el barco con el que Sokurov mantiene una intermitente comunicación a través de Skype donde un navegante amigo traslada valiosas obras de Arte.

Napoleón y Marianne, símbolos del Imperio y la Nación francesa recorren las salas del Louvre repitiendo las mismas frases: “Esto soy yo” y “Libertad, Igualdad, fraternidad” y son  las partes más maniqueas y obvias de un film donde ficción y realidad, cultura y lengua, historia y verdad se funden en el amor que como experiencia nos permite continuar aún cuando Noé se niegue a salvarnos.

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Todo Festival artístico es un rito de confirmación, en este caso el #Bafici2016 lo fue para el cine, quizás el arte más completo y moderno que no ha venido a reemplazar ni a suprimir a ninguna de las otras expresiones artísticas.

A brillar mi amor decían los Redondos en la década del 80’ y el #Bafici2016 brilló,  en su organización y despliegue, en su oferta y su calidad y en su amor al cine. Amor de programadores, críticos, directores, actores y espectadores en el que se ha cimentado la continuidad del Festival más allá del cinismo de algún pérfido funcionario al que por  suerte nadie recordará.