El Monstruo de la laguna negra y Tiburón: la filmación subacuática

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Allá por la década del 50’,  Hollywood se preparaba para dejar a sus viejos y queribles monstruos como Franki, Drac o el Lobito Feroz (by Lon Chaney Jr.) para cambiarlos prestamente por Robots, Alienígenas y demás seres vinculados al “Out of space”.

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No sólo era un cambio de escritores (de Mary Shelley y Bram Stocker a Ray Bradbury) sino más bien un nuevo mundo donde se ponía lo siniestro fuera de casa, allende las fronteras Terrenales.

Es decir que aquellos reyes del mundo victoriano y religioso plagados de adjetivos como aterrador, horrendo y espeluznante estaban siendo reemplazados por uno donde las palabras increíbles, asombrosas y fantásticas del reino del folletín Sci Fi comenzaban su largo reinado enla Feria “B” de Hollywod.

La ciencia ficción, que desde los primeros decenios del siglo, se desarrollaban en un circuito restringido de ediciones “pulp” y revistas especializadas, le llegaba su momento en Hollywood, la era nuclear era la plataforma para nuevos sueños y también para nuevas pesadillas.

Sin embargo la Universalse propone “nadar contra la corriente” en una película que parece marcar el futuro fílmico de las películas que tienen al terror subacuático como centro narrativo, se trata de Creature from the Black Lagoon (El monstruo de la laguna negra 1954 MLN de aquí en adelante) ,  filmada con maestría por Jack Arnold  quién ya había mostrado sus condiciones de director en películas bien distintas como  The Glass Web (Ensayo dramático de 1950),  It Came from Outer (Vino del espacio exterior 1953)  y tendría unos años después a la magistral The Incredible Shrinking Man (El increíble hombre menguante 1957), película raramente filosófica.

Con un reparto nada estelar y con un presupuesto mediano pero haciendo hincapié en nuevas técnicas de filmación que permitían realizar largas y verdaderas escenas subacuáticas frente a las ingenuas y ficticias de películas que se hicieron antes y después como Zombies of Mora Tau (1957), Arnold nos trae un relato en las aguas del Amazonas donde un grupo de científicos descubren una criatura más antigua que el mismo hombre en la tierra.

Los especialistas aprueban en general que el  primero en realizar este tipo de filmaciones  fue el alemán Han Hass que por los años 1938/39 realizó pequeños documentales y películas sobre el mundo marino, después vendrían los trabajos de Jacques Ives Cousteau quién en 1943 junto al ingeniero francés Emile Gagnan inventaron el “Aqua Lung” (pulmón acuático en inglés) un dispositivo con aire comprimido que permitía respirar libremente bajo el agua sin la necesidad del tubo de aire proveniente de la superficie.

Como se puede observar en la foto (los dos camarógrafos/buzos de MLN), se trata básicamente de cámaras introducidas en cajas estancas para preservarla del agua y de las presiones.

Volviendo a nuestra película, la primera escena de contacto entre la bestia y la bella (detalle: la diseñadora del traje de la criatura es Milicent Patrick, un animador ex-Disney) es en realidad una verdadera coreografía del apareamiento.

Esta escena es paradigmática dado que las relaciones de Eroticidad y Terror que ya estaban en las películas de vieja estirpe (King Kong por ejemplo) se realizan en un medio nuevo como el agua que le otorga una mayor libertad y un punto de vista dual: las nuevas escenas subacuáticas (arriba y abajo) permiten  que el espectador sepa más que el/la protagonista.

Jack Arnold estaba interesado en la creación de una atmósfera de terror inminente. En una entrevista, el director dijo que “la película juega con un miedo básico que tiene la gente sobre lo que podría estar al acecho debajo de la superficie, algo nos toca las piernas y allí nace ese miedo de lo que no se ve, de lo que no se conoce“.

Steven Spielberg (confeso admirador del MLN) seguramente tomó el ejemplo de Arnold, y su ataque de tiburón en la apertura de su film Tiburón (1975), en el que se obtiene una vista submarina de la nadadora previo al ataque , es un claro homenaje a la película de Arnold.

Jaws” comienza con dos jóvenes corriendo por la playa escapando de una fiesta y queriendo nadar, ella se desnuda, él borracho no llega a introducirse en el agua, el tiburón acecha y es el punto de vista de la cámara.

Observemos el punto de vista que introduce la filmación subacuática: Luego de esa vista desde la profundidad, La cámara cambia rápidamente a la superficie del agua. Aquí el primer plano de la cara agonizante de la mujer mientras su cuerpo es llevado desde debajo de un lado a otro  es una imitación aterradora del orgasmo, el cliché de la equivalencia entre el placer y el dolor utilizado casi desde la primera representación del orgasmo femenino en el cine.

Empezamos a entender el porqué de “Mandíbulas” y no simplemente tiburón que fue su traducción al español, ya no hay un Vals en Blanco y Negro sino una cacería en azul y rojo.

Las filmaciones “underwater” recrean un  movimiento desde las profundidades a la superficie y desde el interior hacia el exterior, como si lo siniestro lo que verdaderamente aterra es aquello familiar que se vuelve otro y nos acecha, el agua era su nuevo elemento.

Es también un cambio de estilo, con la neta influencia de Hitchcock, el cine se apasiona de los Serial Killers, pero más que nada es un cambio de época, eso que viene del pasado ya no está solo y busca pareja sino que viene a canibalizar, a cortar, una maquina impersonal, la producción en serie de sacrificios, una marca clara de cosificación y castración.

Algunos críticos (Hoberman 1994) consideran que Tiburón es de hecho  “una película política” que  “representa una crisis en el liderazgo estadounidense.” Estamos en la presidencia de Nixon que se desmoronaba por el Watergate.

El Tiburón “Blanco” (recordar el antirracismo de Spielberg en películas como “El color Purpura” y “Amistad” aunque, vaya paradoja, Jaws no tiene ningún actor afro) ataca a una indefensa e isleña comunidad de Norteamericana llamada Amity (amistad). Se podría decir que la película muestra ese  estremecimiento que supone para la ingenua sociedad norteamericana los horrores de Vietnam.

Los primeros ataques son un mes antes del los tradicionales festejos por la independencia y si bien no hay mención a Vietnam las referencias a cuestionables actos morales durante la segunda guerra mundial (el caza tiburones Quint es un marino sobreviviente de USS Indianápolis que secretamente llevaba Uranio enriquecido para las Bombas Atómicas que estallarían en Japón), hablan de ese estado de cuestionamiento y revisión de la política militarista de los EEUU en los mediados de los 70´ por parte de Hollywood que luego traería una decena de grandes películas comenzando por Regreso sin Gloria (1978) y Apocalypsis Now (1979).

La película abunda en planos subacuáticos de piernas que se mueven con gran libertad (escena de corte de una pierna sesgada cayendo) que son acechadas por nuestro Monstruo, El mensaje parece claro, nunca nos movemos con más libertad que en el agua, pero esa “libertad” está acechada por monstruos que no vemos.

EL mensaje político es que debemos poner al cuidado de nuestras “libertades” tanto el de las mujeres, lo niños y los hombres (ese es el recorrido de género del tiburón) a gente como el jefe Brody y el oceanógrafo  Hooper que simbolizan  los “héroes sanos y simples”, que solo buscan el respeto de sus conciudadanos ejecutándola Leyy  el orden.

Por otro lado Quint, el otro miembro del tridente expedicionario,  es protagonista de la escena más escandalosamente sádica de la película  y su sufrida muerte es también moral. “Las mandíbulas justicieras” se hacen cargo del que intenta explotar para su propio beneficio el clima de terror y de alta inseguridad en la pequeña burguesía de la isla que ve seriamente amenazado sus intereses por el cierre de la playa.

Tal vez, esta expresión de voracidad y salvajismo comenzaron en nuestra cultura occidental desde la segunda guerra mundial, como muestras observen como se pintaban algunos aviones de combate en ese momento: El tiburón es una imagen de la crueldad de la propia sociedad en la guerra.