Festival de Venecia 2011

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Clooney, Cronemberg, Friedkin, Polanski, los films de la competencia oficial del Festival Internacional de Venecia que acaba de terminar, comentados por Blanca Monzón, jurado de Signis en Venecia.Festival Internacional de Venecia 2011

THE IDES OF MARCH de George Clooney. USA, 2011

?No soy ateo, no soy cristiano, mi religión es la constitución de los Estados Unidos?.

THE IDES OF MARCH es una intensa historia de ambición, lealtad, sexo y venganza ambientada en el contexto del poder y la política del mundo de hoy.

Resultado de la adaptación de una obra teatral Farragut North de BeauWilimon, el film es un racconto de los últimos días frenéticos en la vida de Mike Morris (George Clooney)un candidato presidencial en Ohio, donde un joven periodista que le escribe los guiones de sus discursos se verá involucrado en un escándalo político, resultado de las manipulaciones propias del poder y de sus elecciones sentimentales.

En el 2007 el film ya se encontraba en proceso de producción, justamente en el momento en que Obama fue elegido. Este hecho generó una cierta fe en la política que contribuyó al suspenso del proyecto. Actitud que un año fue evaporándose lentamente.
Si bien este no es un film acerca de la política, sino sobre la vida de un hombre joven que aprende a tener éxito en el nivel más alto de la misma. Es precisamente ese corto e intenso aprendizaje el que le ocasionará una pérdida de la inocencia la que le costará su alma.
Por lo que en todo caso es más coherente decir que es este un relato sobre la moral que atraviesa el mundo de la política y sus intrigas.Ya que toda la historia es vivida desde la percepción de (RyanGosling, el secretario de prensa), su personaje principal.
Un film políticamente correcto en todos los sentidos. Y un excelente comienzo de la Competencia oficial.


UN ÉTÉ BRULANT
de PhilippeGarrel. Francia, Italia, Suiza, 2010.
Aquella querida Nouvelle Vague?

Hijo de la Nouvelle Vague, Garrel ha sorprendido a la platea en el peor de los sentidos con un film centrado en la historia de dos amigos, que comienza a partir de la muerte de uno de ellos. Por lo tanto el film tiene una estructura circular que parte de este hecho y luego se decide a narrar la historia previa a éste.
Su director ha comentado, que la idea surgió del impacto que generó en él la muerte de un amigo, para el cual la amistad representa poder dar la vida por ese vínculo, que en su caso está teñido además de la alegría que implica tener la conciencia de haber nacido después de la guerra. Que de hecho es otra realidad para el cultivo de los lazos afectivos.

La historia dice muy poco, pero lo peor es cómo lo dice.
Frederic es un pintor casado con una actriz, que conoce a Paul por un amigo en común. Este está enamorado de Elizabeth, y estos son invitados por el artista a pasar un tiempo en Roma. La idea es un poco mostrar la intimidad en paralelo de estas dos historias. El tema es que la elección de Mónica Belluci es patética por inverosímil, tanto, que parece que ni ella ha logrado creérselo para poder actuarlo. Ver a una actriz taparse la cara con las manos porque no puede hacer su papel es realmente lamentable. El resto de las actuaciones son buenas y la dirección de arte se destaca. No obstante no sido una buena elección para la competencia.

A DANGEROUS METHOD de David Cronemberg. Alemania, 2011.
Poder, deseo y saber.

Detrás de cualquier film biográfico está presente el deseo de devolverle la voz a sus personajes. En este caso en particular no es fácil devolverle la posibilidad de hablar a quienes hicieron de la palabra ?el elemento de curación?. Entonces, la tarea se complejiza.
Basado en la obra teatral ?The talking cure? de Christopher Hampton, Cronemberg ha elegido un excelente elenco para desarrollar la vida a Sigmund Freud, Carl Jung, Sabina Spielrein y a un paciente de éstos llamado Otto Gross. En este caso el deseo va más allá de los personajes, porque también está la voz de toda una época con sus pasiones y sus conflictos éticos, raciales e intelectuales.
La historia acontece en el escenario de la víspera de la segunda guerra mundial donde Zurich y Viena son el foco de los descubrimientos intelectuales centrados en la sexualidad, y remiten a las relaciones amorosas y profesionales entre Jung, Freud y Spielrein.
El psicoanálisis ha sido el elemento de cambio por excelencia que ha modificado la naturaleza del pensamiento en la modernidad. Aunque es sabido que Freud antes de morir, dijo algo así como Das Weib, das will, que implica la imposibilidad de saber lo que quería una mujer, lo que implica una imposibilidad de definirla. Es obvio, que desde el otro género no es posible definir lo que no se ?es?, mucho menos en el terreno de la sexualidad, base de la teoría freudiana.
Que con todo el riesgo que esto implica podría pensarse que Freud ha sido uno de los mejores escritores de ficción del siglo XIX.

Todo un tema sin lugar a dudas, que no viene al caso, pero que no obstante es determinante para su teoría, sobre todo en una época donde las mujeres de las clases más altas o se dedicaban a ser institutrices, monjas o en el caso más ?neurotizante? esposas y madres, mujeres que en la mayoría de los casos miraban el techo en la privacidad del hogar, ya que tenían todo tipo de servicios. Material de estudio de Freud. ?Casos?, mujeres que naturalmente se convertían en neuróticas en mayor o en menor plazo, ya que no tenían que trabajar en el campo, (como las clases más bajas) ni tenían una vida social en el ámbito de lo público. Porque Spielrein por desgracia no fue un referente de la época, sino una de sus excepciones.

Con mucha expectativa, quizá demasiada como suele ocurrir en algunas oportunidades, hemos disfrutado de excelentes actuaciones, fotografía, montaje, dirección de arte, recomposición de época etc. Pero justamente en el ámbito del lenguaje Cronemberg ha sido bastante fiel a lo conocido por todos. Es posible que de algún modo sea una injusticia pedirle a un gran director algo más que intentar dar cuenta de ?aquella realidad?. Hubiese sido muy interesante leer una mayor cantidad de correspondencia de Sabina Spielrein por ejemplo. Aunque la resurrección por su naturaleza sabemos que es imperfecta.

A SIMPLE LIFE de Ann Hui. China, 2011.
El amor en los tiempos de la vejez

Un relato conmovedor y tierno inspirado en una historia real, que emocionó al público en su proyección. Basada en la relación entre un hombre que trabaja en la industria cinematográfica y la mujer que ha desempeñado las tareas hogareñas durante 60 años en la vida de su familia. Un día Roger, que es el único de la familia que vive en Hong Kong regresa a su casa, y se encuentra con Tao que acaba de tener un infarto. Este hecho hace que tome verdadera conciencia de la incondicionalidad de su amor y su renuncia a otra vida posible.
A partir de este momento el vínculo se hace cada vez más estrecho y él se ocupará de ella hasta su muerte.

Sin embargo, A simple life reflexiona sobre la vejez, sobre la muerte, sobre la vida en los hogares de ancianos, sobre la solidaridad, la fragilidad de los seres humanos y fundamentalmente sobre la importancia de ?ser agradecido? por el amor y el cuidado recibido.

Una bocanada de profunda humanidad, sencillez y austeridad, que muestra como los pequeños detalles de la cotidianeidad que se viven en la infancia y en la adolescencia, dan forma y consistencia al modo en que luego nos vinculamos, con el resto de los seres humanos en la vida.

Un film que combina una historia real, un excelente trabajo documental y técnico, personajes de la vida real, humor y poesía sumados a dos excelentes actuaciones, todos los elementos necesariospara hablar de un gran cine a partir de una historia sencilla.

SHAME de Steve Mc Queen.
Prisionero de su cuerpo

Mc Queen video-artista británico, a quien ya lo se lo conocía por HUNGER (2008) ha presentado en Venecia uno de los films más interesantes de la competencia oficial.
SHAME reflexiona sobre nuestras necesidades, el modo en que vivimos nuestras vidas, y sobre todas las experiencias que nos forman y que a posteriori conforman lo que somos y lo que hacemos en esta.
Es la historia de Brandon y tangencialmente la de su hermana, quien llega de sorpresa a su casa de Nueva York, donde vive hace 30 años.
Brandon es un hombre al cual le es imposible controlar sus pulsiones sexuales, por lo cual no puede establecer ninguna relación que lo comprometa afectivamente. Porque no sabe y no puede hacerlo. Dueño de todas las libertades posibles en su vida privada hasta que llega su hermana, quien para él invade su mundo y la que a posteriori generara con su comportamiento una ruptura dentro del mismo.
El gran tema eje de la reflexión en SHAME alude a indagar sobre como un hombre que es dueño de toda la libertad posible en el terreno de la sexualidad crea con su continuo descontrol su propia prisión, de la cual le es imposible escapar.

Un film valiente, diferente, que redunda en impotencia y en una terrible humanidad y coloca al espectador en un laberinto donde la repetición constante de la sexualidad desensibiliza al voyeur.
Mc Queen ha participado muchas veces en la Biennale Arte, en el 2003 con la obra 7 Nov y Poster per Utopía, en el 2007 con una Video- instalación Gravesand e Unexploded (Hand – Held) y en el 2009 con el film Gardens, que describe el Giardini di Castello, en la estación en la cual está cerrado.

Un segundo film que reconfirma a un excelente director.

TINKER, TAILOR, SOLDIER, SPY de Tomas Alfredson (Reino Unido/Alemania)

La lucha entre la traición y la lealtad

Una adaptación de la novela homónima de Jhon le Garré TINKER, TAILOR, SOLDIER, SPY es un film sobre los ideales y la lealtad, valores difíciles de mantener en estos tiempos.

Ambientada en la década de los setenta, narra la historia de George Smiley, un ex agente del MI6, quien ha intentado por todos los medios de alejarse de ese mundo y adaptarse a una vida diferente. Sin embargo la caída de un agente hace que éste regrese al oscuro campo del espionaje. La tarea será investigar cual de sus antiguos colegas de confianza han optado por traicionarlo, tanto a él como a su país. Los cuatro sospechosos retrotraen a su vez historias del pasado, rivalidades, amistades, lo que contribuye a la dificultad de identificar al traidor del establishment británico. Un prolijo representante del género, con grandes actores y mejores interpretaciones.

CUMBRES BORRASCOSAS de Andrea Arnold

Una historia de amor y frustración

Aunque ostensiblemente éste es un drama de época basado en la novela de Emily Bronte. Los temas que allí se desarrollan hablan de violencia, racismo, celos, odio, amor y familia, temas que no dejan de ser absolutamente actuales, aunque ésta no ha sido la idea de su director.

Es posible que haya intentado exorcizar ese mundo doloroso e intentar hacer la paz con una historia que pertenece no sólo al imaginario de la literatura y el cine, sino que pervive en la naturaleza humana. Donde lo que más se destaca es el salvaje paisaje de Yorkshire, personaje principal de esta apasionada historia.

ALPES de Yorgos Lanthimos. Grecia, 2011.
A prueba de muertes

Luego de Doogtooth, 2009, sorprendente film que recibiera el Oscar a la mejor película de lengua extranjera, su director ha elegido para Venecia, y luego Toronto, una historia particular: una enfermera, un paramédico, una gimnasta y su entrenador han constituido una especie de empresa, que presta un servicio de alquiler a las familias de personas que han muerto. Contratados por familiares, amigos o colegas de los fallecidos estos ocupan su lugar reemplazando a estos seres queridos.

La compañía se llama Alpes, y su jefe, MontBlanc. Todos operan bajo un régimen de disciplina estricto, hasta que la enfermera decide transgredir esas leyes.

La idea del director griego ha sido crear un otro ángulo de ficción dentro de la ficción, para crear otro mundo que se asemeje a la realidad. La sustitución de un ?otro? resulta por momentos melancólica y poética, no obstante hay también una dosis de perversión considerable puesta al servicio del dolor ajeno y del placer propio.

TEXAS KILLING FIELS de Ami Canaan Mann USA, 2011.

Una niña en peligro

Dos detectives, una larga cadena de homicidios, y un lugar al cual ninguno podrá retornar.
Misterio, tensión moral, una atmósfera enrarecida y homicidios seriales son los ingredientes necesarios para una contundente historia detectivesca del segundo largometraje de AmiCanaanMan, directora sobre la cual pesa la herencia de un padre que ha rediseñado la estructura del thriller, el Michael Man de Heatlasfida(1995), Collateral ( Venecia, 2004) y Enemigo público (2009)
TEXAS KILLING FIELS está inspirado en una historia real transcurrida en los 90 en las afueras de un pequeño pueblo llamado Texas City, donde fueron encontrados más de 60 cuerpos, en su mayoría de mujeres.
El film es una apuesta decidida al género que su directora ha sabido construir con eficacia.

DYUT MING GAM (LIFE WITHOUT PRINCIPLE) de JohnnieTo China, Hong Kong, 2011.

El dinero no duerme más

Con 30 años de carrera este singular cineasta ha producido una serie de films, que han marcado la historia del cine de Hong Kong de los años 90. Sus policiales no solo tienen un altísimo nivel técnico, sino narrativo.
LIFE WITHOUT PRINCIPLE es un film de absoluta actualidad en el mundo de las finanzas, donde la sed de dinero va a modificar radicalmente la vida de los personajes: una analista financiera, dos gánsters, y un inspector de policía con su mujer.
Este retrato de parte de la sociedad de Hong Kong se encuentra directamente relacionado con los riesgos de las finanzas internacionales y estas personas son a su vez, el retrato más o menos fidedigno de una realidad económica- social y política del mundo en que vivimos.
Un guión impecable, tres personajes con un deseo en común y el destino que hará su juego en una historia donde lo bueno y lo malo, se tocan y se entrecruzan en una historia sin héroes ni maniqueísmo.

Quando LA NOTTE de Cristina Comencini. Italia, 2011

Cuando la noche nada

Una mujer se va la montaña a pasar unos días con su pequeño hijo. El propietario de la casa no puede dormir con el llanto del niño, ella siente que la situación la desborda. Hasta que ocurre un accidente, el niño tira una botella al piso, no reacciona ante el hecho, y éste, asustado tira abajo la puerta.

Ella es una mujer que intenta dar lo mejor de sí misma a su hijo, aunque tiene la sensación de que ese deseo no alcanza para ser la madre que supone debe ser. Es una persona que ha perdido la confianza en sí misma, y por lo tanto se encuentra desesperada y frágil, ya que piensa que es la única que transita esta experiencia de este modo.

El es un hombre solitario que esconde el secreto de haber sido abandonado por su madre y por su mujer Y que por lo tanto entre el miedo y la neurosis traslada a todos los que lo rodean sus propios fantasmas.

La historia que es la adaptación de su propio libro, el cual se ha vendido muy bien en Italia, no ha tenido la misma suerte en la pantalla.

Es posible, que si hubiese quizá trabajado más el terreno de la maternidad como un rol del cual la sociedad espera todo de la mujer, como si fuese parte de su biología probablemente el film se hubiera podido parar mejor en sí mismo, ya que la relación amorosa entre ambos que intenta ser dramática es por momentos tan inverosímil que deviene en comedia.

Una gran producción, con una excelente fotografía, que ha logrado por momentos hacer reír a su público. Ciertamente una contradicción resultado de discursos poco felices y de escenas demasiado ingenuas.

TERRAFERMA de Emanuele Crialese. Italia- Francia, 2011.
Una isla y tres mundos enfrentados

TERRAFERMA es un film acerca de las búsquedas en otros países de una razón que pueda modificar el destino de las personas. Por una parte están los inmigrantes que arriban a esta isla para escapar de una vida predeterminada por el contexto que los rodea, por otra hay una mujer que ha quedado viuda y que sabe que en esa isla no podrá rehacer su vida,y por otra su hijo que hará durante el invierno el trabajo de su abuelo, que es la pesca y en verano le ayudará al hermano de su padre a trabajar para los turistas.

Lo que implica saber que este ciclo se repetirá sin opciones. En contraste el mundo de los turistas que llegan a esta para vacacionar y luego se van.

El film da cuenta de una realidad a la cual se enfrentan todo el tiempo, pero que no esta pensado como un documental, sino más bien como una ficción que por momentos accede a otra dimensión de la realidad arrancado del tiempo y de un espacio concreto.

El director de RESPIRO (2002) y NUOVOMONDO (2006) regresa con su particular amor por el agua en donde siempre acontece gran parte del relato y donde en definitiva plantea el derecho que tienen todos los seres humanos de elegir donde y como vivir. Donde se privilegia la solidaridad de los habitantes de la isla, contra las nuevas leyes e implacables leyes que se les aplica a los inmigrantes.

La isla es a al mismo tiempo un destino deseado, uno de paso y otro obligado.

Una fotografía impecable, con disparidad en sus actuaciones y con algunas licencias poéticas a las cuales Crialese nos tiene acostumbrados. De hecho una visión más poética que dramática de una familia de pescadores, que plantea una visión que nos acerca a LA TERRA TREMA (1948)de Visconti, que es obviamente una pésima publicidad para Italia, aunque claramente esos eran otros tiempos, en varios sentidos.

Un film que ha abordado probablemente demasiadas problemáticas.

04: 44 LAST DAY ON EARTH de Abel Ferrara. EE.UU. 2011
Cuando el mensajero es el mensaje

En un gran departamento arriba de la ciudad vive una pareja de enamorados. Una tarde que parece normal, pero que no lo será ni para ellos ni para nadie se enteran de que al otro día a las 4:44 am el mundo llegará a su fin. El final vendrá no sin advertencias, pero sin posibilidad de escape. No habrá sobrevivientes.

Como siempre, hay genete como ellos que tienen una esperanza de que esto no ocurra por algún tipo de milagro. Aunque la mayoría de la población de la Tierra haya aceptado su suerte.

Los seres humanos se han sentido siempre por encima de la naturaleza y esto es un erros. Todos somos parte de la naturazleza, y tenemos la responsabilidad y la obligación de cuidarla. Así palabra por palabra, fragmentada a veces y a través de diferentes lenguajes, gramatical o no, dentro o fuera de contexto, cuando el mensajero es el mensaje puro, este prevalece.
Una situación límite, y dos amantes que esperan un milagro.
Radical, siempre en extremo, aunque sea para contar la vida cotidiana, Ferrara construye a través de LAST DAY ON EARTH una reflexión visible y mucho más que dos grandes actuaciones, incluida la de Willem Dafoe, su actor fetiche.

KILLER JOE de William Friedkin

Una historia muy negra con un happy end

El creador de ?El exorcista ?, 1973 entre muchos otros films regresa con un film de inexorable pesimismo sobre el mundo y con una conciencia ?dark? sin tregua.
Un joven arriba a la casa de su padre para proponerle matar a su madre (odiada por todos), ya que este tiene una deuda por droga, (la cual le ha robado su madre) y asegura que va a recibir de este modo un seguro de vida, con el cual va a poder saldar esta deuda y así evitar que lo maten.
Pero para esto deben contratar a un matón. El tema es que este además del dinero, quiere a la hermana ?virgen? del joven como parte del pago.
KillerJoe será el encargado de que todos paguen finalmente el precio debido con su propia vida.
Una historia siniestra, por momentos divertida, por otros revulsiva una especie de western negro con un guión inexorable.

POULET AUX PRUNES de MarjaneSatrapi y VincentParonnaud. Francia/ Bélgica / Germania, 2011.
Cuando la pérdida del amor deviene en la muerte del alma

La cultura iraní es particularmente poética y rica en metáforas y alegorías y POULET AUX PRUNES hace honor a esta cultura.
Resultado de la adaptación de una novela homónima de Satrapi este film no tiene en principio un género específico, por lo tanto se apropia de diferentes recursos para contar una bellísima y romántica historia, que por momentos deviene en una hermosa fábula.
NasserAliKhan es un célebre violinista a quien le acaban de romper su amado instrumento, no pudiendo sustituirlo por otro decide quedarse en una cama a esperar la muerte, ya que sin la música la vida le resulta intolerable.
En el curso de una semana, donde se despega de este acontecimiento en particular, el espectador va a conocer el secreto de su vida y la profundidad de su decisión de abandonar la vida no sólo por la música, sino por amor.
El film está concebido como un particular thriller con flashback y flash- forward, que aportan luz a la personalidad de su protagonista y al motivo de su desesperación, donde la muerte es un pretexto para poder hablar de la vida. Y donde el tema central es la complejidad del mundo y el misterio que habita en cada alma.
El hecho de moverse en varios registros hace que se pueda pasar de lo dramático a lo cómico, lo cual se asemeja a la vida misma. Y lo que va a descubrir el espectador es que lo más importante no es Nasser, ni cómo morirá, sino porqué.

HIMIZU de Sion Sono. Japón 2011.
Violencia y redención

Dos adolescentes se enfrentan a la terrible realidad de un Japón desvastado por los terremotos y la contaminación nuclear.
Para Sumida, su único deseo es llegar a ser un hombre común y normal, ya que no tiene grandes sueños. Su familia vive del alquiler de barcas, su madre no tiene pudor ni para tener a otro hombre en su casa, ni una conducta del trabajo. Su padre vive borracho y se supone que tiene deudas de juego. Ambos golpean normalmente a su hijo, física y verbalmente.

Para su compañera de clase Keiko Shazawa su deseo es vivir con un ser querido. Tiene otro tipo de familia, que muestra rápidamente la existencia de una muy diferente realidad económica- social. Ella ama a Sumida y hará todo lo posible para salvarlo de sí mismo. Hay otro personaje que es un hombre mayor que vive en una casilla de lata frente a la casa de Sumida, quien va a contribuir a que esto se lleve a cabo.

Himizu en un momento de desesperación y locura mata a su padre y luego se obsesiona con todas aquellas personas que dañan a sus semejantes. Ha perdido la esperanza de llegar a ser quien deseaba?
El film da cuenta de un recorte sórdido de la sociedad reforzado por la realidad que lo circunda. Violencia, matones, desesperación, maldad y locura son los ingredientes de un film, donde finalmente queda claro que la salvación yace en la esperanza de un futuro diferente, y que esto sólo se logra a través del amor.
Un drama con la estética de la brutalidad, donde se destacan las actuaciones, principalmente la de los adolescentes.

THE EXCHANGE /HAHITHALFUT de ERAN KOLIRIN. Israel- Alemania, 2011.
Un extranjero en su mundo

Un hombre, que se dedica a la Física retorna a su casa accidentalmente en un horario no habitual. De pronto comienza a mirar a su alrededor y la percepción de los objetos de su cotidianeidad comienza a cambiar. Su mirada se detiene en una vieja etiqueta de precio que yace arriba de una mesa, y así sucesivamente.
A partir de este ese día decide retornar a su casa todos los días y allí comienza un juego de descubrimiento de otro mundo donde las cosas pierden la objetividad y el significante se va disociando de su significado. Y subyace la pregunta de ¿cual vida siente más real?
Este es un film que pone en suspenso el misterio de la realidad de las cosas y en consecuencia, lo que hablamos cuando hablamos de la realidad de la vida.
De un modo por momentos caricaturesco, que subraya un lugar o una perspectiva diferente desde donde miramos y percibimos el mundo que nos rodea, esta extrañeza se traslada al espectador creando un particular desasosiego.
Un film lento que requiere de cierta paciencia del espectador, ya que no es un film sobre muchas cosas, sino sobre las cosas mismas, y parece que su director ha intentado transmitir esta nueva percepción.

L´ULTIMO TERRESTRE de Gian Alfonso Pacinotti. Italia 2011.
Un regalo que viene de arriba

La ópera prima de Pacinotti es una historia satírica que transcurre en la última semana de la llegada de los extraterrestres a la tierra.
El film no es la historia de un pueblo, que parece sumido en la crisis económico social de Italia y le resta importancia a este hecho, sino que está centrada en la vida de Luca Vertacci, un hombre tímido con problemas para relacionarse, secretamente enamorado de su vecina y que tiene como única familia a su padre que vive en el campo.

Un film por momentos desopilante, que recurre a una historia particular para hablar de la contemporaneidad, donde la llegada de los extraterrestres llega como un regalo, que puede cambiar algo o todo, quizá como un juicio universal?no lo sabremos al menos por ahora.

CARNAGE de Roman Polanski. Francia/ Alemania/ Polonia/ España,2011.

Una guerra con palabras

Dos matrimonios se reúnen en la casa de uno de ellos para hablar de sus hijos de 11 años, y de una pelea entre ambos, donde uno le ha pegado a otro con un bastón.

Este hecho es el pretexto que ha elegido Polanski para realizar un profundo retrato de la sociedad americana actual, cuyo resultado es un film increíblemente divertido, absolutamente irónico, por momentos paródico, donde cuatro padres en cuatro paredes, como en un teatro nos revelan las inmensas contradicciones de la contemporaneidad.

Porque sin lugar a dudas será un día que no podrán olvidar, donde la línea de combate entre los cuatro se rediseña todo el tiempo en los discursos, en cada gesto, en cada cruce de este que se parece a un gran campo de batalla cuyas únicas armas son las palabras.

Un film imperdible con actuaciones memorables del genial Polanski, adaptación de La Dieu du Carnage, obra teatral de Yasmina Reza, donde lo que comienza como una conversación civilizada, termina en una discusión donde cada una aporta lo peor de sí mismo.

SAIDEKE BALAI de Wei Te- Sheng. China- Taiwan, 2011.

Un colosal racconto épico

Saideke Balai es hasta ahora el film más costoso que se ha realizado en Taiwan.
La historia está centrada en un extraordinario episodio de la historia del siglo XX, conocido como el episodio de Wushe de 1930, una rebelión de los taiwaneses contra la opresión de sus colonizadores, los japoneses.
La intención de su director ha sido repensar este incidente a partir de la creencia de lo que significa en esta cultura ser y hacer honor a ser Saideke Balai, es decir ser un verdadero hombre que hace honor a su origen y por tanto podrá entrar al reino del espíritu.
Toda esa conciencia de lo que implica el espíritu ancestral centrado en la figura de Mouna Rudo, (que representa la figura del héroe) es el centro de la reflexión sobre la dicotomía del salvaje y lo que se supone es la civilización.

Esta reflexión apunta a intentar una especie de reconciliación entre las dos partes pensando más en la dignidad humana y en lo que implica para cada uno realizarse en la vida.

Un film en extremo extenso y repetitivo con un intento de aportar una visión diferente de los hechos.

DARK HORSE de Todd Solondz.USA, 2011.
Cuando la crueldad se naturaliza

DARK HORSE es una tragicomedia negra y revulsiva centrada en un hombre de 30 años con el síndrome de Peter Pan quien aún vive con sus padres y se enamora de una joven con la misma patología, relación que contribuye a la amenaza de una tragedia.
Una reflexión sobre la parte más oscura de la clase media del suburbio de los Estados Unidos.

Una sátira social sobre la crueldad con que pueden ser tratados estas personas y un modo de indagar sobre las conductas familiares que contribuyen a generar estas patologías.

Publicado en Leedor el 15-09-2011