MAXXI Museo de Arte en Roma

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Estuvimos en el último gran museo inaugurado en la ciudad de Roma: aquí una guía inteligente para conocerlo: todas las salas, todas las exposiciones.Una visita guiada al MAXXI

Todos los caminos conducen a Roma y el MAXXI, a su presente artístico y arquitectónico.

Roma recibe a diario miles de turistas ansiosos por conocer sus iglesias y monumentos. Antiguos tesoros, que constituyen sus ruinas, testimonio de su pasado.

En mayo de 2010 abrió sus puertas el MAXXI, un espacio centrado en el presente, que posiciona a Roma en el circuito del arte contemporáneo. MAXXI significa, Museo Nacional de las Artes del S. XXI. Es un gran Museo público internacional y el primero dedicado al Arte y a la Arquitectura contemporánea.

Por siglos, tanto el arte como la arquitectura italiana han constituido la vanguardia y el modelo de creatividad del mundo occidental. Los grandes monumentos de la Romanidad clásica; el Medioevo de Cimahue y Giotto; el renacimiento de Masaccio y Bruneleschi, Rafael y Miguel Angel, hasta el Barroco de Bernini y Borromini.

El MAXXI sigue en el camino de la gran tradición artística italiana, apuntando a ser un centro de excelencia.

El arte ha sido siempre anticipo de modas y pensamientos. En este sentido las formas y las líneas de la arquitectura del MAXXI expresan todo esto. Con un edificio experimental colocado no sólo dentro de su topografía, sino, de la historia de la Roma plena y disponible a la contemporaneidad. Pensada como un gran laboratorio de la cultura actual, dinámica, volcada a las variaciones y conflictos de la sociedad en que vivimos. Sociedad en la que el arte cumple una función esencial contribuyendo a la comprensión de mundos y culturas.

El arte y la arquitectura italiana, no solo comunican el ?Made in Italy?, sino algo mucho más rico y complejo, que podríamos denominar: el estilo de vida italiano.

Con una sutil reminiscencia al Guggenheim de Nueva York, este impresionante proyecto fue construido en el barrio de Flaminio, ocupado anteriormente por el cuartel Montello (una fábrica de camionetas militares). La obra tardó 11 años, desde que la arquitecta anglo-iraní, Zaha Hadid ganó el concurso para su construcción en 1999. De una convocatoria donde se presentaron 273 candidatos fueron seleccionados 25 proyectos.

Una somera descripción de su estructura, parte muy importante de la experiencia sensorial, que implica recorrerlo:

Tres niveles se entrecruzan a la vez que se penetran entre sí. Los materiales predominantes son: cemento, vidrio y acero. La complejidad de los espacios, son el resultado de la arquitectura de Zaha Hadid y de las colecciones permanentes del museo. Las mismas están presentadas como un resumen parcial pero significativo del desarrollo italiano e internacional. Un centro pleno de actividades, investigación, documentación, exposición y conservación. Texto e imagen acompañan al visitante en el descubrimiento del museo y de su arquitectura. La obra de dos argentinos se destacan entre múltiples artistas contemporáneos: Lucio Fontana y Jorge Orta.

El Proyecto

Surge de una idea atrevida del espacio museístico. Nos propone un campo casi urbano, un mundo en el cual sumergirse, más que como un objeto terminado. Los campos están organizados sobre la base de derivas direccionales, y de distribución de densidad, en lugar de puntos clave. Galerías lanzadas al vacío, paredes curvas, que se doblan sobre sí mismas, impredecibles aberturas al exterior, que asoman sobre ambientes interiores ubicados a cualquier altura, envolviendo al visitante en una experiencia corpórea y mental, compleja y fascinante. Un desafío a nuestra percepción, y al concepto tradicional del espacio expositivo, donde vivir el arte y la arquitectura de un modo diferente.

Ingreso: La plaza y su historia

Pensada como un espacio abierto, accesible desde la calle Guido Reni y la de Massaccio, un recorrido peatonal une estas dos calles y concreta el plano del 1909, nunca ejecutado a causa de los cuarteles Montello. Este había modificado el trazado octogonal del barrio como una frontera insalvable entre las dos arterias. Espacio reapropiado como espacio urbano, antes que museal.

Desde allí se ingresa al atrio, caracterizado por las intrincadas geometrías de sus escaleras y del hormigón a la vista, elemento protagónico del edificio. Levantando la vista se percibe enseguida una red de calles y recorridos laberínticos que, explorados progresivamente rebelan la extraordinaria espacialidad, difícilmente comprensible a primera vista. Corazón de este espacio y 1er acceso al visitante es el mostrador, que aloja el punto informativo y la boletería. En este punto inserta su cuerpo sobre el ex cuartel Montello.

A la izquierda del atrio se ubica el Auditorio, donde lo más destacable es el diseño luminotécnico, a la derecha, la cafetería, con la forma de la proa de una nave, con líneas cortantes y dinámicas. El cieloraso reproduce la misma luminaria del Auditorio.

Sobre el lado opuesto al atrio, la amplia arcada nos lleva a la Sala Claudia Gian Ferrari, ambiente caracterizado por una arquitectura despojada y regular derivada del anterior destino industrial. Su posición descentrada y subdividida con paneles la vuelven particularmente útil para las exposiciones temporales.

En el primer piso se encuentra el Laboratorio Didáctico del Departamento de Educación y la Sala de Conferencias.

Sala Carlo Scarpa

Volviendo al atrio, pasando por la librería y por medio de un ascensor se llega a esta sala ubicada en el centro de producción del ex. cuartel, en el cual, grandes columnas de hormigón sostienen la loza de la galería 4. Posee grandes ventanas por donde ingresa la luz natural, y está dedicada a las muestras de Fotografía.

Distribución de las Galerías

La Galería 1 aloja al museo de Arquitectura y a su Centro de Archivo. Atravesando la pared vidriada de acceso al museo, se entra al 2do espacio de plena altura del MAXXI. Una escalera sobre la derecha conduce a las Galerías 2 y 3 dedicadas al arte. Este espacio expositivo es el único iluminado completamente con luz artificial. En su interior se encuentran las obras de las dos colecciones permanentes de los dos museos de arte y arquitectura. Está pensado, para que la ubicación de las obras sea siempre diversa.

El Museo de Arquitectura

En consonancia con la misión cultural del MAXXI, este sector utiliza los instrumentos más avanzados, para difundir el conocimiento de la arquitectura y testimoniar su rol en la sociedad. Las actividades del mismo, se desarrollan según dos líneas programáticas diferentes pero complementarias dirigidas a presentar al público y a los profesionales, la Arquitectura moderna y contemporánea. La primera de carácter crítico-histórica es reservada a la arquitectura del siglo XX, propuesta a través de grandes retrospectivas dedicadas a prestigiosos autores o temas específicos, acercando estudios y reflexiones para redescubrir su valor. La segunda, de naturaleza más innovadora y experimental está íntegramente dedicada al debate, y a los temas que surgen de la contemporaneidad. Dedicada a jóvenes proyectistas y al panorama internacional.

Los representantes de las colecciones del Museo

Carlos Scarpa (Venecia, 1906- Japón, 1978)

Arquitecto, artista y diseñador. Es considerado una de las figuras más interesantes de la arquitectura del 900. Su actividad está dirigida principalmente a la restauración de monumentos, proyectos de negocios y espacios privados. El archivo adquirido en el 2001 es de naturaleza técnica y proyectual, y documenta totalmente entre los años 1927 a 1978.

Dibujos, libros, bosquejos, fotografías en parte inéditas testimonian la incesante búsqueda formal y funcional. Y el cuidado por el detalle propio del trabajo de Scarpa.

Enrico Del Debbio (Cassara, 1891- Roma, 1973)

Está entre los arquitectos de mayor relieve en Roma entre los años 20 y 70. Realiza numerosos edificios: El Foro Itálico, el Ministerio del Exterior, el Estadio de Natación y la Facultad de Arquitectura. El archivo recoge materiales producidos en su larga carrera. Además de los proyectos, hay apuntes para la actividad didáctica, fotografías, mapas y parte de su producción artística juvenil, témperas, carbonillas, pastel y acuarelas.

Sergio Musmeci ( Roma, 1926-1981)

Ingeniero civil y aeronáutico. Es considerado uno de los estructuralistas más audaces del siglo XX. Aparte de colaborar con los más grandes arquitectos del 900 es un proyectista de estructuras articuladas, como el puente sobre Basento, el puente sobre la vía Appia Antica. El archivo adquirido en el 2003, comprende materiales que documentan su trabajo en Italia y en el exterior y se encuentra centado, en la investigación sobre las formas estructurales. Este fondo está además constituido de apuntes, lecciones, material didáctico, y una rica correspondencia.

Pier Luigi Nervi ( Sondrio, 1981- Roma, 1979)

Ingeniero civil, Nervi se dedica a proyectos y al cálculo de la estructuras arquitectónicas. Interesado en la posibilidad técnica del cemento armado a partir de 1920. Su archivo, adquirido en el 2004 testimonia su trabajo desde los años 20 al 80.

Aldo Rossi (Milano, 1931- 1997 9

Arquitecto y teórico de la arquitectura, Aldo Rossi, es uno de los personajes de mayor relieve perteneciente a la arquitectura de la segunda posguerra. La actividad proyectual y la didáctica, le dio la oportunidad de ser el primer arquitecto italiano ganador del Premio Prizker e n 1990. Adquirido en 2002, su archivo recoge modelos, diseños elaborados del ámbito proyectual y otros de valor artístico. Documentos de naturaleza técnica, escritos, fotografías y videos, que testimonian toda su actividad profesional, didáctica, científica y cultural.

Vittorio De Feo (Napoli, 1928- Roma 2002)

Para Vittorio De Feo, la arquitectura es un territorio de una enorme riqueza artística, que involucra todos los campos: la pintura, la escultura y la literatura. Su actitud apunta siempre a al experimentación en su trabajo, testimoniado por un gran número de proyectos elaborados en 50 años de actividad. Como docente e investigador universitario ha realizado importantes estudios históricos sobre la arquitectura soviética, sobre Robert Venturi y sobre el arte y la cultura barroca. El archivo De Feo está constituido por gráficos muy elaborados, apuntes, fotografías, diapositivas y modelos. Un legado de precioso fondo bibliográfico.

Galería 2

La mitad de este vasto ambiente está destinada a la Colección de Arquitectura permanente del MAXXI y la otra a la de Arte. Una de las características dominantes es la iluminación natural, filtrada por un sofisticado sistema de abertura transparente y regulable en su techo. Esta alberga la obra de cuatro protagonistas de la Arquitectura Internacional del Siglo XXI, Alesandro Anselmi, con el proyecto del Edificio poli funcional de la estación de San Pedro. Roma, 2002; Giancarlo De Carlo, con su Proyecto de residencia en Beirut, 2003; Zaha Hadid con el Modelo del Centro para el Arte Contemporáneo. Roma, 1999 y Toyo Ito con el Modelo del efificioTOD´S. Omotesando, Tokio, Japón, 2002.

La colección de Fotografías de Arquitectura

La colección de Fotografías del MAXXI Arquitectura está compuesta por cerca de 1000 fotografías de autores adquiridos a partir del 2003. Está centrada en el análisis del territorio italiano, paisajístico, urbanístico y arquitectónico. Es una línea muy importante del Museo por el rol de medio de comunicación de la presentación del espacio físico, en cuanto instrumento para registrar, interpretar y construir la memoria del país. Desde ya, que es una colección abierta, que apunta a estimular el trabajo del artista emergente, como de los consagrados, dentro del amplio panorama de la fotografía de Autor. Como los trabajos de Mimmo Jodice. Genova, la Sopraelevata, 2002 o Massimo Vitali Palermo, Mondello Beach, 2007.


MAXXI ARTE

Llegados a la mitad de la Galería 2, donde finaliza el MAXXI Arquitectura, la pared se abre a la derecha sobre la Galería 3. El visitante puede elegir entre seguir en la Galería o cambiar de dirección.

Los espacios confluyen los unos en los otros sin limitaciones, como el entrecruce de los senderos en un bosque. El MAXXI Arte nace como un especio de experimentación del lenguaje artístico actual, y como una realidad proyectada al futuro.

El año 2000 fue el punto de partida cronológico de sus adquisiciones, sin descuidar la documentación del pasado reciente: los últimos 50 años de la historia del Arte, con un acento en el trabajo de las generaciones del sesenta y el setenta, la cual permite comprender la búsqueda italiana de los últimos años, las relaciones, los cambios y la influencia entre personalidades anagráficamente diferentes. Es así posible confrontar obras de Mario Merz, Michelangelo Pistoleto, Aliguiero Boetti, Guilio Paolini, Gino De Dominicis, con Stefano Arienti, Bruna Esposito, Massimo Bartolini, María Airo, y con los más jóvenes Claudia Losi, Giusseppe Gabellone, Stefania Galegati, Francesco Vezzoli.

La colección del MAXXI intenta dar cuenta de la complejidad del contexto artístico nacional, sin renunciar a documentar el panorama internacional. También es cierto, que el museo propone una segunda línea de artistas relacionados directamente con el contexto italiano, como Alfredo Jaar, Kiki Smith, Adrián Pacci. El MAXXI Arte posee una colección de 300 obras en continuo crecimiento, gracias al afianzamiento de una actividad de adquisición de múltiples modalidades, como donaciones, concursos y comodatos de uso a largo plazo.

La Instalación Permanente

La obra Widow (2004) de Anish Kapoor (Bombay, India 1954), consiste en una tela de PVC negra, tensa y adosada a las paredes circundantes. El trabajo del artista anglo- indiano se sitúa entre dos tradiciones culturales diversas: la occidental y la oriental. Kapoor propone al espectador una experiencia, visual, sensorial y síquica de fuerte impacto. Ya que la compleja geometría de Widow lo hace en un punto visualmente impenetrable, lo que genera una cierta inestabilidad, resultado de la imposibilidad de penetrarlo. Metáfora de una particular apropiación cognoscitiva del mundo. La instalación se encuentra en la Galería 1 del Museo de Arquitectura.

Sol Le Witt (Harford, USA, 1928 ? New York 2007) Wall Drawing#375 (1982)

La forma de la geometría euclideana ha acompañado a Sol Le Witt a lo largo de su carrera, como exponente del minimalismo. Esta obra forma parte de una serie proyectada a partir de 1981, después de su ida a Italia (Spoleto), donde se reencuentra con los grandes pintores del fresco del Quatroccento Italiano, motivo de inspiración y reflexión de su pintura y de involucramiento con lo arquitectónico.

Una construcción unívoca y coherente del espacio es negada a favor de una percepción dialéctica entre el ambiente real y la ilusión del espacio. La obra se encuentra en el atrio.

La obra Sculture de linfa (2007) ?madera, cuero, resina y mármol de carrara- de Giuseppe Penone (Garesio di Cuneo, 1947) condensa algunas de las formas y los temas de su trabajo de los últimos años. El arte, y en particular la escultura como superficie de tránsito y acumulación de energía a través de la materia.

Una pared revestida de corteza de árbol y a su vez recubierta de cuero, piel sobre piel, vegetal y animal, en el fondo la continuidad indistinta de la naturaleza sobre un pavimento de mármol, cuyo centro tiene una madera inacabada con un corazón de resina. La obra se encuentra en la Galería 4.

De los años sesenta a hoy: obras elegidas

Senza Titolo (triplo igloo) 1984- 2002. Instalación. Vidrio, mordazas, hierro, greda, neón. Singular igloo. Mario Merz (Milano, 1925- Torino, 2003). Esta construcción ambiental da vida al mundo entero en una pequeña casa, donde el espacio privado forma parte del mundo exterior. Realizada casi totalmente en vidrio, material frágil y transparente, que induce a reflexionar sobre la precariedad de la existencia.

Exposiciones Temporales

Sala Claudia Gian Ferrari
Gino De Dominicis L´Immortale
Curada por Bonito Oliva

El trayecto expositivo del trabajo tanto performativo, como objetual se inscribe en los 60 y 70, donde sus marcas son la experimentación con la fotografía y el video, para retornar en los 80 a la pintura y a la escultura. Allí vemos cómo el lenguaje tradicional es forzado y tensionado con la idea de acercarse a la expectativa del hombre contemporáneo. La muestra analiza los principales nudos temáticos encarados por el artista: la inmortalidad de la materia, la inversión prospectiva, la ubicuidad, la metamorfosis y la evolución, los límites entre lo visible y lo invisible, la ironía, el suspenso entre pasado y futuro, donde sobre todo domina la reflexión sobre la inmortalidad, constante en la búsqueda de Gino De Dominicis.

La muestra no ha sido construida en base a un lineamiento cronológico, sino en una dimensión de tiempo circular, en el cual las obras son presentadas como epifanías, incluso a través de verdaderos cortocircuitos visuales entre tiempos similares, pero distantes cronológicamente. La fuerza visual de las obras y la espacialidad del Museo son puestas en un valor recíproco, y se articulan en tres etapas: La sala Claudia Gian Ferrari Ferrari en el 1er piso, el cuerpo de la escalera y la Galería 5 en el 3er Piso.

Introduce a la muestra Calamidad Cósmica, su obra más ambiciosa colocada delante de la entrada del museo. Mientras la carcajada de D´io invade el cuerpo de la escalera, vinculando los distintos niveles expositivos. Armada más teóricamente, la primera sala indaga a través del juego del absurdo, la ambigua vinculación entre ?visible e invisible?. La segunda sección compuesta por los Diávoli emerge a lo largo de la escalera, en la oscuridad del espacio infinito, hasta llegar a la tercera sala con su particular morfología dedicada al redescubrimiento de la cultura sumera, y a la fascinación del universo interestelar. Aquí en una cadencia de luces y sombras, la galería de los retratos sigue las líneas del ambiente, trasformándose en su columna vertebral. A partir de la recreación de un pasado originario, y a través de una cuidadosa reflexión sobre la Gioconda de Leonardo, las obras llegan hasta la revisión de la vanguardia histórica proponiendo, tanto un ?otro? espacio- tiempo, como un ideal de belleza antinaturalística y excéntrica.

El recorrido de una visita

La muestra arranca en la Plaza, sigue en el atrio y en la sala Claudia Gian Ferrari situada a la izquierda del mostrador de la billetería, se desarrolla a lo largo de las escaleras y termina en la galería 5, en el 3er nivel del museo.

En la plaza se encuentra Calamitá Cósmica (1989) el título de la imponente instalación remite a la realidad humana, en contacto con misteriosas energías cósmicas. La obra representa el noveno esfuerzo de De Dominicis, para hablar del posible logro de la inmortalidad del hombre, éste lo asume como fin último. (Era intención del artista recubrir la obra con oro enchapado).

En el atrio se ubica Mozzarella in Carrozza (1968 /1970) consistente en una lujoso carruaje negro del 800 y de una muzzarella colocada sobre el asiento posterior del vehículo, para indagar entre la relación palabra- imagen, De Dominicis utiliza con ironía la figura retórica de la metonimia, y materializa en objeto tangible el nombre de una receta culinaria italiana.

El itinerario sigue en la sala C. G. Ferrari con Tentativo di Volo, (1969) un video, que simula el vuelo saltando de un muro situado en la cima de una colina, acto que se repite 5 veces. La acción se emparenta con la búsqueda De Dominicis realiza en esos años, sobre la posibilidad de confrontar la tesis de la irreversibilidad de los fenómenos, a través de la elección de acciones imposibles. El arte es el lugar ideal donde desafiar los límites impuestos por la física clásica, con experimentos nacidos para contrastar el principio de la entropía, y lo inevitable de la muerte.

Statua de 1979 forma parte de un grupo de 11 estatuas invisibles, expuesto por primera vez en la galería Pieroni de Roma en 1979. La obra presentada horizontalmente se revela solamente a través de sus extremidades, el sombrero y el calzado arriba de una mesa, sugiriendo la invisibilidad, un tema querido por el artista, porque retoma el concepto de la inmortalidad. Reflexión constante de su trabajo y de su concepción de la vida.

Si bien la obra Ubicuidad (1970) ha sido expuesta de un modo diferente. Los dos vasos son vistos al mismo tiempo y en el mismo espacio. Acercando la idea de inmanencia a la de ubicuidad, la obra muestra el propio doble en cualquier punto del espacio, que se disuelve en un lugar para reaparecer en otro. La presencia simultánea de los dos vasos remite al tema de la indestructibilidad de la materia, como fue enunciado por el químico francés De Lavoisier, según el cual,? nada se crea, nada se destruye, todo se transforma?.

La obra Il Tempo lo sbaglio, lo spazio (1969) (dos esqueletos, uno humano y otro animal, un perro, con un par de patines) Reflexiona sobre la incapacidad del género humano para ganarle a la muerte del cuerpo, y con ironía muestra la idea, de que el hombre al pretender acelerar sus actos tiene la errónea idea de vivir más.

La obra Necrologio de 1969 fue su aparición en el panorama del arte romano anunciando su propia muerte, con la indicación de fecha y lugar, pero símultáneamente la propia inmortalidad. Con este truco accede a una dimensión de suspensión del tiempo y el espacio. En la necrológica el artista sugiere haber logrado la inmortalidad a través de la obra de arte.

Equilibrio 1 (Asta) (1967) Un asta suspendida entre el cielo y la tierra en virtud de la energía que gobierna el universo imprime la fuerza, que conecta al hombre con el espacio interestelar.

L´immortale invisibile,il luogo (1989) es una obra constituida por una silla colocada en un ángulo a distintos metros de altura. El espacio entre las sillas y el cielo raso está destinado a coger la figura invisible. Por esto es el lugar donde reside el inmortal. La condición afilada de las patas, le impediría mantenerse en el suelo, con lo cual remite a una cualidad de suspensión y de objeto metafísico.

Cubo invisibile (1967) consiste en el perímetro de un cuadrado trazado en el suelo con pintura blanca. Se sugiere al espectador completar el cubo con su propia imaginación.

En la Galería 5 una risa irónica satura el espacio, un cartel colgado en la pared dice: D´io, (1971) que es al mismo tiempo Dios y ?de mí?. Una vez más el artista juega con la duplicidad del significado del titulo. En el mismo lugar está la obra Senza titolo (1987- 1991), llamada Gioconda, primera versión de un tema retomado varias veces por De Dominicis. Es una técnica de esfumado, el rostro retratado en tres cuartos. La enigmaticidad, el misterio de la sonrisa, y la calidad de la ejecución hacen una lograda interpretación de la Mona Lisa.

La obra Senza titolo (Urvasi e Gilgamesh), 1987. Representa a Gilgamesh, el rey de Uruk en busca de la inmortalidad y Urvasi, divinidad india, cuya belleza la hace inmortal. Las dos figuras miran a un diamante que se encuentra ala altura de sus ojos, en 1988 la pintura es insertada adentro del Specchio che tutto riflette eccetto gli essseri vivendi, que con un juego óptico refleja la obra y la sala, pero no quien lo observa (en realidad la sala y la obra están perfectamente duplicadas del otro lado de la pared)

Senza titolo de 1992, es la parte central del Tríttico dei Pianeti, que representa al sistema solar como aparece en una obra del Museo de Berlín, que se remonta al 2500 antes de Cristo. Figuran allí 9 cuerpos celestes: Marte, Venus, Mercurio, Urano, Plutón, Saturno, Júpiter, Neptuno y Tiamat, (planeta que después de una colisión dará origen a la tierra) Interpretación que hace el artista del origen del cosmos, fruto de su lectura del Zecharia Sitchin. La imagen que figura en Senza Titolo de 1985 remite a la cultura sumera através de un gran ojo, la túnica larga hasta los tobillos deja al descubierto el brazo derecho, y la postura con los brazos y las manos plegados al pecho. Todos los detalles apuntan a reproducir lo encontrado en las tumbas reales de Ur. A partir de los 80 se vuelve un elemento recurrente de las obras de Di Dominicis. La superposición de una cruz latina, una X y una svástica remite a la voluntad de anular la muerte con una X sobre la cruz. El perfil de una figura negra con la nariz afinada sugiere donde dirigir la mirada, mientras la mano roza un signo cuneiforme, que alude al concepto de Dios.

Senza Titolo, (1985) una pareja, tal vez Urvasi e Gilgamesh en la intimidad: los labios y las narices se tocan, la figura femenina tiene en equilibrio con el índice un asta azul, y con el brazo izquierdo abraza la figura masculina, que parece inclinarse hacia el rostro de su compañera. Se asiste así a un ritual amoroso, que celebra la unión entre el elemento masculino y femenino, entre el artista y la belleza.

Kutlug Ataman (Estambul, 1961)
Mesopotamian Dramaturgies
Curaduría: Cristiana Perrella

Reconocido internacionalmente por sus intensas video-instalaciones, que se mueven entre la ficción y el documento, Kutlug Ataman explora con su trabajo la compleja naturaleza de la identidad personal y colectiva, examinando el modo en que las personas crean y reescriben su propia historia.

Sus obras, de una profunda intimidad encaran también vastas temáticas sociales. Mesopotamian Dramaturgies, su proyecto más ambicioso, centrado en el tema de la construcción de la identidad abarca todo el medio oriente entre la modernización y la tradición, globalización y cultura local de la Turquía actual. Un país donde una revolución decidió, que la nueva identidad nacional debía ser occidental y laica, generando un corte con el pasado, verdadero trauma cultural, cuyas repercusiones aún continúan.

Mezclando fantasía y realidad, drama y humor, referencias al arte italiano y leyendas de Medio Oriente, tecnologías sofisticadas y viejos TV, Ataman teje en los 8 trabajos de la muestra una compacta red de referencias históricas, políticas, sociológicas e iconográficas, que representan la complejidad de los cambios de Turquía en el último siglo. Simultáneamente se refiere a la historia del modernismo occidental y de aquellos ?valores europeos? muchas veces referentes de su país, cuestionándole la pretensión de universalidad y colocando una interrogación estratégica: ¿Si es posible o no una modernidad alternativa a la occidental?.

Sus Video Instalaciones

Frame, 2009.(caja de luz)

Es la ampliación de una fotografía de un grupo de militares en Turquía a comienzos del 900. Un general ocupa el centro del foco mientras los rangos más bajos son cortados fuera de la imagen. La modernidad del medio fotográfico se encuentra con la idea de representación arcaica: el fotógrafo sigue las reglas de la iconografía bizantina, en la que el estatus social y el poder político determinan la estructura y la dimensión del sujeto.
The Complete Works of Williams Shakespeare, 2009. VI 4, 42 min. 35mm.

Una pantalla muestra la obra de Shakespeare copiada a mano y proyectada en 35 mm .La velocidad de la caligrafía sobre la pantalla hace incomprensible el texto reduciéndolo a pura imagen. La obra nos remite al uso decorativo de la escritura como sustituto de la imagen en la cultura islámica. El video revela así la pérdida del sentido del texto en el pasaje del lenguaje escrito a aquel de la imagen.

English As a Second Language, 2009. VI en dos canales (54 min izquierda y 59 min derecha)

El título se refiere al uso del inglés como lengua franca de la modernidad, que antes que mejorar la comprensión recíproca, conduce a veces a una pérdida del sentido de la comunicación.

En el video dos jóvenes leen en voz alta los versos ?nonsence? del poeta inglés Edward Lear sin lograr entenderlos. La complejidad del texto de difícil comprensión aún para los ingleses hace más evidente, la ilusoria universalidad de la globalización.

Journey to the Moon, 2009. Proyección de video en 2 canales. 1h.20 min.

Es un film, que narra una descabellada empresa espacial de los años 50 de los habitantes de un pueblo rural inducido por el proceso de occidentalización. Viejas fotografías son intercaladas con entrevistas a algunos de los más importantes intelectuales turcos contemporáneos. La obra estructurada como una entrevista periodística televisiva, no aclara nunca si aconteció realmente, o si se trata de una reconstrucción ficticia.

Dome, 2009. VI. 14 min.

Después de una breve estadía en Roma en el 2007. Dome se relaciona se relaciona con las cúpulas de la iglesias católicas. La proyección de hace en el cielo raso, allí están suspendidos, como ángeles modernos, jóvenes amigotes turcos con sus vestimentas diarias, los cuales exhiben teléfonos celulares y otros símbolos del progreso. La obra es un fresco de la Turquía contemporánea y de su controvertida relación con la Europa y la tradición occidental.

Column, 2009. VI

Inspirada en la columna Traiana de Roma. Está constituida por viejos televisores instalados en una espiral ascendente, que alude al modo en que el imperio romano celebraba las victorias imperiales. Pero no habla de los vencedores, sino de los vencidos. Un retrato de la Turquía más remota, donde sus habitantes se encuentran imposibilitados de hacer sentir su voz, y de contar su historia.

Pursuit of Happiness, 2009. VI, muebles y TV de segunda mano

Es el retrato de una mujer, cuya vida está signada por un matrimonio impuesto. Focalizada en el principio occidental del derecho a la felicidad, la obra se presenta como una metáfora de la relación entre oriente y occidente. Forzada por ambas partes por el proceso de globalización. Realidad de un camino seguro a la locura.

Strange Space, 2009. Video en caja. 20 min.

Es el registro de una performance en la que el artista atraviesa una vasta llanura desierta, descalzo y con los ojos vendados. Se inspira en Laila y Majnun, una leyenda conocida en todo el mundo islámico, en la cual el héroe cegado por el amor vaga por el desierto buscando a la mujer amada. Utiliza esta historia como metáfora de la relación entre el mundo arcaico y moderno, de su atracción y del drama causado por su entorno.

Serpent´s Tale, 1994. 85 min.

Es el 1er largometraje de Ataman considerado por la crítica internacional como el ?mejor film de horror turco?.Un antiguo manuscrito, si es adecuadamente traducido, esconde el secreto de la vida eterna. Muchos quieren apropiarse de él: una princesa bizantina, dentro del personaje de una niña vampira y una multinacional. Pero el precio a pagar será altísimo.

Lola + Bilidikid (director´s cut) Alemania, 1999. 85 min.

El film cuenta la historia de Murat, un adolescente turco de 17 años, que vive en Berlín. El muchacho descubre su homosexualidad, encuentra al travesti Lola y a su acompañante Bilidikid. Una mirada inédita a la comunidad turca de Berlín atrapada entre la homofobia de su propia cultura, y el racismo de algunos alemanes. Ente humorismo y tragedia Ataman continúa en el cine su búsqueda sobre la marginación, el desarraigo y la identidad.

2 Girls. Turquía, 2005. 100 min.

El film cuenta la relación intensa y exclusiva de dos muchachas adolescentes, Hadan y Behiye sobre el fondo de la sociedad turca en rápida transformación. Extraído del best seller de la novelista turca Perihan Magden, también escenógrafa del film. 2 Girls ha impactado en su país, por la escena inicial y por el realismo con que retrata la realidad turca metropolitana.

Journey to The Moon. Turquía 2009. 79 min.

Rodado en la provincial de Erzincan de la que proviene la familia de Ataman. Es parte de la Mesopotamian Dramaturgies y ha sido realizado en una versión instalativa, como cinematográfica.

Muy diferente de la versión del largometraje, el film cuenta la tragicómica tentativa de algunos campesinos, para llegar a la luna en la década del 50, alternando secuencias de fotografías en blanco y negro, con entrevistas a varios intelectuales turcos.

Luigi Moretti architetto
Del racionalismo al informalismo

Curaduría: Mariastella Casciato

Figura de proyectista y estudioso, con una vasta cultura y una profunda sensibilidad, Luigi Moretti es uno de los grandes protagonistas de la cultura arquitectónica del 900.

La muestra, ubicada en el Nivel 0 y en la Galería 1 muestra 32 proyectos de L. Moretti ilustrados a través de 450 diseños y modelos originales. El proyecto está articulado en 7 secciones, que van desde La arquitectura para el régimen, hasta El espacio como teatro de la experimentación. Analizando no sólo la obra proyectual y la actividad teórica de Moretti a través de la reconstrucción del contexto cultural, sino el estudio de su crítica, el análisis de su obra y sus proyectos.
Conclusiones

Este trabajo ha tenido como objetivo principal dar a conocer el MAXXI, un particular Museo Contemporáneo inaugurado hace menos de un año, donde la organización del espacio es uno de sus protagonistas más relevantes. De allí el lugar que ocupa en él la Arquitectura, tanto en el diseño de su estructura, como en su contenido.

Su colección permanente (continuamente enriquecida) contribuye a imaginarlo como un referente insoslayable a la hora de conocer el arte contemporáneo de Italia y del mundo. Imposible no hacer un alto en las muestras temporales arriba citadas en general y la de Kutlug Ataman en particular, una de las obras más interesantes de la Turquía actual. Un interrogante continuo, para un espectador sensible a las temáticas sociales, políticas, históricas y sociológicas, planteadas con ironía y creatividad.

Publicado en Leedor el 25-03-2011