Cine Indie

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Dentro 8º Festival de Cine Independiente de Buenos Aires el ciclo Estados Unidos: un recorrido independiente es un mundo aparte.
Entre los títulos: el primer Jarmusch y el primer RayEstados Unidos: un recorrido independiente
Ciclo dentro del 8º Festival de Cine Independiente de Buenos Aires

A propósito de la serie de notas que comenzamos a publicar sobre cine independiente Norteamericano, es imprescindible la visión de, al menos, algunas de las películas de este recorrido que ofrece el BAFICI 2006

Little Fugitive
Estados Unidos – US, 1953
80′ / 35 mm / B&N
Mucho antes de que se hablara de cine independiente en Estados Unidos, tres cineastas diseñaron una cámara portátil de 35 mm, hicieron esta película en Brooklyn y Coney Island, lograron difundirla al margen de toda empresa major y no sólo obtuvieron numerosos premios internacionales importantes, sino también una nominación al Oscar.

Primary
Estados Unidos – US, 1960
60′ / 35 mm / B&N
Un filme revolucionario en dos aspectos. Por un lado, en el plano temático: la escena política es desplegada por el cine como nunca antes. En el plano técnico, Primary empieza a recorrer el camino para que el documental, pudiendo registrar la imagen y el sonido directo, esté preparado para enfrentar todo lo que sucede en el mundo.

Savage Eye
Estados Unidos – US, 1957-1958
67′ / 35 mm / B&N
n su momento, a poca gente le cayó bien este filme inclasificable y adelantado a su tiempo, que utiliza un tenue hilo ficcional (una mujer recientemente divorciada que llega a Los Ángeles con la intención de ahogar el recuerdo de su fracaso) para formular un comentario inapelable sobre la alienación urbana. Su materia prima es una catarata de imágenes de la ciudad, filmadas en su mayor parte con cámaras ocultas, a lo largo de dos años, por un equipo de fotógrafos eminentes

The Cool World
Estados Unidos – US, 1964
104′ / 35 mm / B&N
Continuando la línea explorada en The Connection (1961), un notable ejercicio de ocultación e incertidumbre respecto de la realidad y representación de las imágenes (una de las mayores inquietudes cinematográficas de ese entonces), este tercer largometraje de la principal realizadora del New American Cinema acompaña a un grupo de adolescentes negros del Harlem en su ?despertar criminal?.

David Holzman’s Diary
Estados Unidos – US, 1967
74′ / 35 mm / B&N
David Holzman es un joven neoyorquino que, movido por una famosa frase de Godard (?el cine es verdad a veinticuatro cuadros por segundo?), compra una cámara para salir a buscar su propia verdad. Pero el proyecto lo sumergirá en un creciente autismo, convirtiendo su vida en una serie de confesiones ante la cámara y fallidos intentos por hacer que la gente a su alrededor se comporte normalmente ante ella.

Titicut Follies
Estados Unidos – US, 1967
84′ / 35 mm / B&N
El cine documental de Frederick Wiseman se divide en instituciones y temas, y esta ópera prima sobre las instituciones no podía ser más resonante al encarar un estudio descarnado e implacable sobre la prisión de Bridgewater en Massachusetts, especializada en demencia criminal. Prohibido en el propio estado en que se filmó por la crudeza de sus situaciones, Titicut Follies se convirtió en un clásico del documental de observación, que espera y encuentra lo que espera, con una paciencia infinita y ojos y oídos alertas.

Ciao! Manhattan
Estados Unidos – US, 1967-1971
90′ / 16 mm x Video /
Color – B&N
Como la mayor parte de los acompañantes de Andy Warhol en su Factory (Brigid Berlin, Nico o Viva), Edie Sedgwick era joven, descendiente de una familia aristocrática y dueña de una belleza única.

Coming Apart
Estados Unidos – US, 1969
110′ / 35 mm / B&N
Un psiquiatra llamado Joe (Rip Torn) pone una cámara detrás del espejo (?detrás de un vidrio oscuro?, podría decirse) de su amplio living en su atractivo piso de Nueva York. Esa cámara ?fija y que se convierte en casi todo momento en el punto de vista de la cámara de la película? registra los encuentros de Joe con una serie de mujeres.

Symbiopsychotaxiplasm: Take One
Estados Unidos – US, 1968
70′ / 35 mm / Color – B&N
Actor de varias películas de directores negros de fines de los 40, empleado del Nacional Film Board de Canadá, creador de varias series documentales para agencias estatales y la televisión pública, William Greaves es un nombre completamente desconocido en la Argentina y gran parte del mundo. Su película más famosa, Symbiopsychotaxiplasm: Take One, una reflexión y desmitificación del proceso actoral y de realización cinematográfica, fue filmada en 1968 y permaneció ?encajonada? hasta 1991.

American Revolution 2
Estados Unidos – US, 1969
86′ / 35 mm / B&N
Mike Gray y Howard Alk realizaron esta película en el marco del Film Group, una productora de Chicago creada en 1965 que con el tiempo se convertiría en una referencia para los documentalistas locales y cuyas primeras realizaciones se asocian al conflicto social y político de la década del 60 en Estados Unidos: las luchas por los derechos civiles, los movimientos políticos radicales como las Panteras Negras, la oposición a la Guerra de Vietnam.

The Last Movie
Estados Unidos – US, 1971
110′ / 35 mm / Color
Hasta que las cosas acaban por sobrepasar la barrera de lo narrable, en el filme dirigido y protagonizado por Dennis Hopper pueden distinguirse festividades religiosas del Perú, el rodaje de un western en ese país (en el que el realizador Samuel Fuller interpreta justamente a un director), el romance de Hopper, quien participa del rodaje en cuestión con una nativa, la pelea por hacer respetar la humanidad de los indígenas empleados como extras y hasta la búsqueda de oro en las inmensidades del altiplano. Independiente hasta la médula, The Last Movie reúne en un inesperado patchwork melodías country compuestas por Kris Kristofferson y tomas casi documentales de los indígenas peruanos. Si el caos narrativo se resiste a todo juicio uniforme, las sucesivas secuencias del largometraje dan cuenta cabal de ese otro patchwork que diferentes imperios dejaron en el paisaje del Perú y sus habitantes: los pueblos originarios, luego los Incas, más tarde Europa y el catolicismo, y finalmente la cultura norteamericana que, con motivo de un filme que busca abaratar costos, ha llevado ante unos sorprendidos indígenas toda la parafernalia del Lejano Oeste.

Directed by John Ford
Estados Unidos – US, 1971
99′ / 35 mm / Color
A través de entrevistas con John Wayne, Henry Fonda, James Stewart y el propio John Ford, el director Peter Bogdanovich recorre la obra del maestro en este documental legendario pero muy poco visto. Comienza de un modo engañosamente simple, con una serie de anécdotas más o menos pintorescas sobre el carácter del director y su costumbre de humillar a sus estrellas delante de todo el equipo.

Greaser’s Palace
Estados Unidos – US, 1972
91′ / 35 mm / Color
Esta es una versión delirante de la vida de Jesús, ambientada en el Lejano Oeste y realizada en un estilo surrealista que se encuentra en algún punto medio entre Simón del desierto de Buñuel y El Topo de Jodorowsky. El Palacio de Greaser es el gigantesco saloon que se impone como el edificio más importante de un pueblito del Oeste, a fines del siglo XIX. Greaser es su propietario, un señor que sufre una constipación crónica.

Lives of Performers
Estados Unidos – US, 1972
90′ / 16 mm / B&N
En su ópera prima, Yvonne Rainer parecía afirmar sólo pertenencia al mundo de la danza dedicándole su película. Pero esa primera impresión luego revela el verdadero espesor del cine de la autora: el lenguaje del cuerpo y el lenguaje verbal, lo político y lo privado, el movimiento y la repetición, la actuación y la verdad.

The Man Who Envied Women
Estados Unidos – US, 1985
125′ / 35 mm / Color, B&N
El derrumbe del matrimonio es el pretexto que Yvonne Rainer elige para poner en marcha su reflexión ?visceral, intelectual, emotiva? siempre proteica y política sobre el sexo, el lenguaje y el paso del tiempo, a través de una línea potente que discute el límite entre la palabra y la acción.

Privilege
Estados Unidos US, 1991
100′ / 16 mm x 35 mm / Color
Yvonne Rainer intenta horadar no los lugares comunes acerca del hombre y la mujer en la sociedad contemporánea, sino sus lugares sociales, culturales, económicos y políticos. Sueños, representaciones duplicadas, entrevistas, monólogos a cámara, textos estadísticos y fragmentos de lejanos documentales médicos articulan un discurso cinematográfico aguerrido y pleno de invención, que convierte la hibridez de procedimientos en la lucidez del concepto.

Winter Soldier
Estados Unidos – US, 2006
96′ / 35 mm / B&N – Color
Concebida y realizada colectivamente por diecinueve cineastas pero distribuida anónimamente, es posible que Winter Soldier sea la más importante de todas las incursiones cinematográficas en la Guerra de Vietnam. Extremamente emparentada a los movimientos ?Newsreel? surgidos en los 60, interesados por el grado cero de la realización documental, la película registra los testimonios de varios veteranos durante la investigación de 1971 sobre las atrocidades cometidas por las tropas norteamericanas en suelo vietnamita.

We Can’t Go Home Again
Estados Unidos – US, 1976
90′ / 16 mm, 35 mm / Color
Durante casi diez años, Nicholas Ray filmó en diferentes formatos, hizo y deshizo el montaje varias veces, al punto de tener dos versiones, una más extensa y otra más sintética, que es la que hoy se conserva. We Can’t Go Home Again no sólo es el último filme del director de Rebelde sin causa y Johnny Guitar, sino el resultado de su marginalidad y su amor por el cine.

Permanent Vacation
Estados Unidos – US, 1980
75′ / 16 mm x 35 mm / Color
Para Allie, deambular por Nueva York es sólo esperar que pase el tiempo hasta su viaje a Europa, pero también una opción de despedida, análoga a la de su relato en off, que desanda su pasado. Ya en su ópera prima, Jarmusch hace del tiempo un tema narrativo, del movimiento por los lugares un modo de marcar un punto de vista sobre ellos que trae la nostalgia -cifrada en su cita a Nicholas Rayo- y de las situaciones episódicas, una ruta hacia ese humor levemente absurdo que fue afirmándose en Down by Law y Mystery Train, para lograr su cumbre en Broken Flowers.

Lightning over Braddock: A Rustbowl Fantasy
Estados Unidos – US, 1988
80′ / 35 mm / B&N
Braddock es un pueblo de Pensilvania al que Tony Buba pertenece y sobre cuyos lugares, conflictos y clase trabajadora posa su mirada. Todos hacen de sí mismos y para ellos es este su único largometraje, para Buba es el proyecto de toda su vida, luego de doce cortos sobre sus vecinos y lo vital de un lugar en fase de deterioro.

The Machine that Killed Bad People
Estados Unidos – US, 1990
120′ / Video / Color
Como el propio Steve Fagin lo ha definido, este video funciona de manera segmentada, disgregada, ?tratando de emular la manera en que la televisión construye el sentido a través de la fragmentación?. La ?epifanía? que le dio origen fue el momento en que Fagin vio por televisión el derrocamiento de la dictadura de Marcos en Filipinas, en febrero de 1986.

A Place Called Lovely
Estados Unidos – US, 1991
14′ / Video / B&N
A Place Called Lovely, al igual que Girlpower, trata menos sobre el descubrimiento de su identidad lésbica que sobre la violencia física a la que estuvo sometida Benning como niña en una sociedad que sabe convertir a la infancia en un campo de batalla. Así plantea un curioso y agresivo entretenimiento de intercambio de roles, en el cual no sólo están en juego las relaciones de género sino también las generacionales.

Girlpower
Estados Unidos – US, 1992
15′ / Video / B&N
En Girlpower la imaginación aparece como el único camino de escape a una vida violenta e implacable. En ese mundo de fantasía, la niña que presenta Benning sólo encuentra consuelo en la representación con fuertes figuras masculinas (tales como Matt Dillon o Erik Estrada) mientras intenta darle forma a su personalidad, y por medio del juego con sus propias reglas revierte el papel que se les suele otorgar a las mujeres.

Flat is Beautiful
Estados Unidos – US, 1998
50′ / Video / B&N – Color
?Flat is Beautiful? es una expresión que Sadie Benning tomó de una remera hippie y convirtió en una declaración de principios. Es también la conclusión de una serie de cortos en los que representó y utilizó su vida como materia prima.


Tribulation 99: Alien Anomalies Under America

Estados Unidos – US, 1991
48′ / 16 mm / B&N – Color
D: Craig Baldwin
Una narración en off nos advierte y ofrece una detalladísima crónica de una supuesta invasión extraterrestre y su papel en las revoluciones, enigmas, complots entre gobiernos y desastres naturales del último siglo. Delante de nuestro ojos, en la pantalla, un montaje (término nunca tan oportuno) de segmentos de películas de terror, ciencia ficción, documentales, de dibujos animados, educacionales, noticieros y comerciales.

Rock Hudson’s Home Movies
D:Mark Rappaport
Estados Unidos – US, 1992
63’/ Video x 35 mm / B&N – Color
Jugando con la estructura del cine de ?metraje encontrado?, Rock Hudson’s Home Movies incorpora a las secuencias de las películas del actor la interpretación de un ?doble de cuerpo? a modo de narrador, comentando el discurso homosexual oficialmente oculto de Hudson (quien murió de sida en 1985).

A Sudden Loss of Gravity
D: Todd Verow
Estados Unidos – US, 1999
84′ / Video / Color
Un grupo de adolescentes de Boston se divierte bebiendo y manejando autos. A un grupo de padres no le parece bien y trata de frenarlos, pero un accidente seguido de muerte altera los tiempos y el devenir. Todd Verow crea un sistema cinematográfico que gira alrededor del problema de la identidad, y de cómo esa identidad incide sobre el tiempo y el lugar en el que los personajes viven.

Vacationland
EE. UU. – USA, 2005
104′ / 35mm / Color
D: Todd Verow
El hecho de crecer en un pueblo chico ya forma parte de la sintaxis argumental del cine independiente norteamericano. Es un problema que apareció, aparece y aparecerá por siempre en las pantallas de ese país, por lo menos hasta que la globalización apriete definitivamente sus nudos.