Ferias de Arte en Miami

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Cada año, pese a la inminente llegada del invierno, la ciudad de Miami florece con Art Basel Miami Beach, la hermana menor de la gigantesca muestra de arte suiza. Durante una semana, la ciudad se vuelve efervescente con exhibiciones, fiestas, conferencias, proyecciones de video y películas. En fin, cuanta expresión artística se pueda imaginar. Para capitalizar este público otras ferias ?satélites? tienen lugar al mismo tiempo.3 ferias 3:
Art Basel Miami Beach
NADA (New Art Dealers Alliance)
Scope Miami

Por Socorro Villa, desde Miami -un lugar muy cerca de USA-

Si bien Miami ha crecido mucho en lo que a arte se refiere en los últimos 5 años , Art Basel ha generado un incremento tan grande de la actividad paralela a la feria que ya se habla de ?la semana de Basel?. Las colecciones privadas más importantes de la ciudad abren sus puertas al público en general y a los representantes de los museos y colecciones mas importantes del mundo a través de eventos VIP. Las galerías ?agrupadas en circuitos en diferentes barrios- también realizan actividades especiales como desayunos y fiestas y extienden sus horarios habituales para captar el publico de Basel a través de sistemas de troleys diseñados a medida para la ocasión. Los museos no se quedan atrás y aprovechan la oportunidad para organizar sus fiestas anuales de recaudación de fondos con el ojo puesto en los abultados bolsillos de quienes vienen especialmente a la feria. Con unos 30.000 turistas que llegan a la ciudad exclusivamente para asistir a ella -muchos con un nivel adquisitivo que hace que no les tiemble el pulso al firmar un cheque de 3 millones de dólares (o más) por un Picasso- la sensación general en la ciudad (no sólo en el ambiente del arte sino en todas las actividades relacionadas con la atención de esos turistas) es: ?ahora o nunca? porque lo cierto es que cuando termina la feria, también termina el encanto: los turistas vuelan y la actividad vuelve a sus niveles habituales.

Consistente con esa idea, otras ferias ?satélite? tienen lugar durante la misma semana para capitalizar el público y la actividad que trae Basel. Tanto NADA (New Art Dealers Alliance) Art Fair como Scope Miami tienen un perfil absolutamente contemporáneo, orientado a galerías emergentes y de vanguardia que trabajan con artistas jóvenes. En estas ferias la oferta es ?económicamente hablando- más accesible al público en general, con obras disponibles desde los 100 dólares. Ambas ferias debutaron en Miami el año pasado y tras el éxito obtenido decidieron volver para esta segunda edición. Mientras Scope decidió volver al Townhouse Hotel de Miami Beach (sólo a unas cuadras del Convention Center y en la ruta hacia la sección de Art Positions) NADA optó por el downtown Miami, en Wynwood, la zona de la ciudad donde se concentra la mayoria de las galerias de arte, especialmente aquellas dedicadas al arte contemporáneo. Ambas han cosechado, sin dudas, los frutos del efecto Basel.

Art Basel Miami Beach ha convocado en su edición 2004 a casi 200 galerías de 25 países alrededor del mundo (desde las más reconocidas de Nueva York o Londres hasta las mas innovadoras de Seúl, Shangai o México DF). Según Frederic Snitchzer, miembro del comité de selección, la única variable que se considera para admitir a una galería es la calidad de los trabajos que expondrá. Y pagar alquiler del stand, claro, que ronda los 30K dólares en promedio. Por ello es claro que el objetivo de Basel es, ante todo, hacer negocio. Y vaya si lo hace. La movida comienza el miércoles por la tarde con la recepción VIP a los coleccionistas y más tarde con el vernissage (sólo por invitación). Ambos eventos, que suceden el día previo a la apertura al público, marcan el nivel de negocios de la feria. Para cuando uno llega a la inauguración, las obras más importantes (imagínese TODOS aquellos nombres que encontraría en un libro de Arte Contemporáneo) ya están vendidas. Y no por poca plata. Las cifras varían entre los cientos de miles y los millones de dólares. Claro que como dice Alberto Mugrabi ?uno de los mas importantes coleccionistas de arte de Nueva York- ?uno quiere comprar obras de arte cuando cuestan cuatrocientos mil [dólares], no cuando se han valorizado a cuatro millones? . Y lo fascinante de Art Basel Miami Beach es que le brinda al público esa oportunidad, sumado al hecho de que los artistas mas importantes de casi todo el mundo están alli ?sin duda un importante ahorro en pasajes aereos y hotelería.
La oferta de la feria es variadísima: En el Miami Beach Convention Center las secciones de Art Galleries (las grandes galerías, entre las cuales se destacaba la presencia del impecable stand de Ruth Benzacar), Art Nova (galerías emergentes que presentan nuevos trabajos de 3 o 4 artistas), Art Statements (galerías presentan a un solo artista joven) y Art Magazines. En containers especialmente acondicionados y montados sobre la playa, a unas cuadras del Convention Center, la sección Art Positions (galerías de vanguardia que exponen trabajos de artistas jóvenes). En el Bass Museum, la sección Art Video Lounge y todo alrededor de la ciudad las secciones Art Projects (proyectos de arte publico a cargo de diversos artistas), Art Loves Architecture, Art Loves Design, Art Loves Film, Art Loves Music (series de cruces temáticos) y el Art Sound Lounge (este año en la pileta del Hotel Delano).

Única embajadora de Buenos Aires, la Galería Ruth Benzacar recibía a los visitantes con el impactante ?Arco de Triunfo? de Miguel Rothschild (construido con embalajes y cajas de comestibles y productos de consumo masivo) introduciéndolo en el tenor de obra expuesta. De hecho, uno tenía que atravesar por el arco para acceder al stand y encontrar obras de Ernesto Ballesteros (un minucioso trabajo de lápiz sobre papel), Marcos López (desplegando la habitual mezcla de humor y acidez de sus fotografías), Martín Di Girolamo (con sus esculturas hiperrealistas y al mismo tiempo utopicamente estilizadas) entre otros.

Entre las obras que mostraba la Galería Peter Kilchmann , de Zurich, se destacaba la instalación de Teresa Margolles, ?Papeles de la Morgue?. A partir de su trabajo como técnica forense, Margolles explora la realidad de la muerte en la ciudad de México DF, específicamente de aquellas muertes no-naturales, que suceden bien sea a causa de las drogas o crímenes violentos. El propósito catártico de la artista es claro. Su objetivo primordial es lograr que el espectador entre en contacto con esta realidad y tome conciencia de ella. Forzarlo ?sin violencia, a enfrentar el tema y empaparse de sus consecuencias. Esta serie esta compuesta por 100 láminas de papel que han sido pintadas (aunque ?manchadas? seria un término mas exacto) con el agua sucia de sangre y demás fluidos corporales que surge de la limpieza de los cadáveres luego de terminada la autopsia. Cada lámina contiene la sangre de un individuo. 100 láminas, 100 muertes antinaturales y sin sentido. Sin embargo, cuando uno se planta frente a la pared llena de láminas, se percibe algo intimo y a la vez ominoso acerca de ellas, que se esclarece al ver el titulo de la obra: Entonces resulta obvio que el medio utilizado es sangre. La obra lleva inevitablemente al cuestionamiento. Pese a que muchos de los individuos cuya sangre empapa las láminas fueron NN cremados en una fosa común, la obra los rescata del anonimato y permite al observador evocar la vida que alguna vez fue sostenida por esa sangre. En el 2002 la misma galería presentó otra instalación de Margolles llamada ?El agua de la ciudad de México? en la que dos humidificadores tomaban ese agua sucia -remanente de la limpieza de los cadáveres- y la atomizaban en el aire de la galería, sumergiendo ?literalmente- al visitante en la atmósfera misma de la muerte. El trabajo de Margolles ha sido, sin lugar a dudas, el mas comprometido y sobrecogedor de la feria.

En la galería König Johann de Berlín se destacaban las obras de dos artistas: Jeppe Hein and Johannes Wohnseifer. El primero nos interroga desde el neón sobre la pared exterior del stand ?¿Por qué estás aquí y no en cualquier otro lugar?? (Why are you here and not somewhere else?, Neon, 2004) poniendo en cuestion la inexorabilidad del ?estar alli?. Por sup arte, Johannes Wohnseifer presenta una serie de trabajos conceptuales que revisan la historia alemana desde la II Guerra Mundial a esta parte. Limitando su expresión cromática a los ?colores muertos? del sistema ARL (aquellos que usara el ejercito Nazi y que por ello fueron expulsados por el gobierno del sistema aleman analogo del Pantone), conjuga en sus collages imagenes de iconos alemanes: un dibujo de un Beetle ?originalmente diseñado por el ejercito Nazi- robandole camara a una foto de Lenni Riefenshtals y ambos compartiendo el cuadro con mapas y cartillas de colores del ARL, letras y logos del sistema ferroviario, y demas imagenes de la Alemania cotidiana.

Desde el corazon de China, Shanghart mostraba los trabajos de Zhou Tiehai, a traves de dos series: Placebos y Tónicos. En la primera, el artista recrea conocidas obras de la pintura occidental interviniendolas a traves del agregado de figuras e imagenes propias de los ?80s como los conocidos camellos de la marca homonima de cigarrillos, trabajando el acrilico con aerografo sobre telas de gran tamaño. La serie Tonicos, en cambio, refleja el acercamiento de Tiehai a su propia tradicion cultural: nuevamente en grandes telas, las imagenes aluden sin embargo a aquellas de la antigua pintura china con abundancia de ramas de bambu y arboles aislados en paisajes brumosos e inclusive retratos sumamente hiperrealistas (practicamente fotos) de rostros anonimos de la China actual que completan el hilo conductor del rescate de la tradicion y su inclusion en el presente.

En la galeria Jacob Karpio de Costa Rica, se destaca la obra de Franco Aceves: Una tela de grandes dimensiones, sin titulo, que a modo de identificacion bibliografica en la parte inferior reza: ?Perengano de tal? escultura de humo, 2003, llantas, gasolina y fuego, medidas variables, estableciendo un dialogo entre el artista autor de la pintura y el anonimo autor de la ?escultura de humo? que tanto se ha multiplicado en los ultimos años como expresion de disenso de los sectores sociales mas relegados.

En cuanto a la sección de Art Positions, resalto la propuesta de la Galerie Kamel Mennour de Paris que mostro la obra de Kader Attia ?Illegal Studio Hallal?, 2004. Se trata de la ultima instalacion de una serie de 3 que exploran el tema de la identidad, la pertenencia, la legalidad, la alienacion. ?Hallal? es la palabra musulmana que designa la carne apta para consumo humano. En slang, tambien significa ?autentico?. En esta ocasion, Attia ha montado dentro de un container una ?autentica? fabrica ilegal de todo tipo de accesorios de la marca Hallal (surgida en las dos instalaciones previas) en la trastienda de un comercio de venta de estos accesorios de lujo. Dentro de este reducido espacio, el espectador accede en primer lugar a lo que parece un local de venta de ropa y accesorios. Sin embargo, detras de la cortina ?literalmente- hay 11 mujeres de todas las edades que en condiciones muy poco saludables fabrican esos productos. Cortan, pegan, cosen, bordan, planchan, doblan, empacan… toda la linea de produccion. Esta sugestiva instalacion pone en cuestion las relaciones entre consumidor y productor, la legitimidad o la alienacion en las relaciones laborales, la posicion social, la identidad, la riqueza y la pobreza y un cumulo de otros temas que nuestra sociedad vive cotidianamente sin por ello tener ganas de explorarlos en su dolorosa profundidad.

NADA Art Fair:
En primer lugar, vale aclarar que NADA es una cooperativa de profesionales del arte que se propone revitalizar el mercado del arte abriendo el camino hacia el intercambio fluido de informacion, ideas y apoyo mutuo. En esta feria, Usted no encontrará ?nada? que pudiera ser admitido en cualquiera de las galerías más reconocidas del circuito, sin que por ello el valor estético de las obras sea menos relevante. En esta ocasion, 61 galerias dedicadas casi exclusivamente a promover nuevos talentos mostraron obras que abarcaban todo el espectro de técnicas, desde dibujos en lápiz hasta instalaciones con microscópicas crías de camarones (los olvidados ?sea monkeys?). De tan variada oferta, hemos seleccionado 3 artistas:

Ted Victoria mostro en la galeria Schroeder Romero de Brooklyn, NY, su instalacion en la que los sea monkeys que se movian libremente dentro de unas pequeñas peceras eran magnificados y proyectados sobre unas paredes translucidas, creando la sensacion de una invasion de grandes invertebrados llenando el lugar. Instalaciones de este tipo tuvieron lugar durante los años 2001 y 2002 en diversas galerias con nombres tan sugestivos como ?Quien esta alli?? o ?Ey! Que pasa aca?? y en todos los casos, la propuesta tiene que ver con sumergir al expectador en este mundo de vidas microscopicas, con las que en muchos casos convivimos de forma inconciente.

Por otra parte, Jed Ela en la galeria Momenta Art, tambien de Brooklyn, mostraba sus obras basadas en dinero. El artista utiliza billetes en circulación para elaborar sus obras, entretejiéndolos para transformarlos en diversos objetos. La obra ?Oferta 10152? por ejemplo, es una canasta de aproximadamente 1 metro de diámetro realizada a partir de 10152 billetes de 1 dolar. El artista ofrece esta obra a la venta por el exacto valor del dinero que utilizo para construirla (como todas sus obras, en realidad) y establece un acuerdo con el comprador por el cual este se compromete a nunca revender la obra por un valor mayor a este. De esta forma, Ela pone en cuestion el mismósimo estatus artístico de sus piezas (que se supone adquirirán mayor valor a medida que pasa el tiempo) y las fija en el lugar de una simple representación de capital económico. Sin embargo, haciendo esto, al mismo tiempo cuestiona el valor simbólico del dinero y su lugar en la sociedad.

Jose Alvarez representado por la galeria Ratio3 de San Francisco, CA, mostró una serie de pinturas-collages realizadas en base a finas escamas de cristales minerales que, montadas siguiendo diferentes patrones en resina sobre madera crean la ilusión de una pintura bidimensional al primer vistazo y descubren la riqueza de sus matices tridimensionales sólo en una observación más cuidadosa. La minuciosa exploración de los materiales que realiza Alvarez le permite extraer de ellos un cúmulo de posibilidades expresivas, mientras que sutilmente crea el cuestionamiento acerca de la naturaleza, el uso que hacemos de ella y como es recurrente en sus otros trabajos ?especialmente en las performances- el límite entre lo real y lo ficcional, lo lógico y lo absurdo y la capacidad del hombre para creer determinadas ideas contra cualquier evidencia en contrario.

Scope Miami
Uno podría definir a Scope como una feria ?minimalista?. La feria se monta en un hotel y cada habitación corresponde a una galería. La primer premisa es que el 80% del espacio disponible tiene que estar dedicado a un solo artista y se debe evitar la contaminacion visual propia de un bazaar turco al planificar el montaje. En virtud de estas premisas, Usted se encontraría con obras de pequeño formato colgadas en el baño hasta grandes instalaciones que ocupan toda una pared. La idea es sacar al público de contexto, liberándolo del acartonamiento y la formalidad de las galerías de arte y brindarle una oferta de arte sumamente contemporáneo (en su mayoría artistas muy jovenes) a precios muy accesibles. Es casi imposible que usted pueda salir de allí sin alguna obra bajo el brazo. En esta ocasión se reunieron 70 expositores y se organizaron algunas actividades en paralelo como fiestas que empezaban luego del horario de la feria y hasta las 2 am; subastas silenciosas de obras donadas por diversos artistas cuya recaudación se aplica al Programa de Becas para Artistas de Scope y finalmente diversos eventos paralelos organizados por los sponsores de la feria.

Leo Villareal con la galeria Conner Contemporary Art de Washington DC mostró una serie de objetos construídos a partir de cajas y tubos fluorescentes y bombillas de luz. Lejos de ser estáticos y enunciar las simplicidad del fenómeno lumínico ?al estilo de las obras de Dan Flavin, estas obras están programadas para llevar a cabo una secuencia de diferentes patrones que están de relacionados con los ritmos de la naturaleza. Uno puede ?ver? en ellas el latido de un corazón, el ritmo de la respiración, etc. En cada una, los patrones y los colores son únicos y la obra va cambiando constantemente frente a la mirada del espectador.

Black &White Gallery de Brooklyn expuso la obra de Julian Montagne. Se trata de un gigantesco proyecto de clasificación de los carritos de supermercado, siendo estos el objeto metafórico de aquello que usamos a diario, casi sin notarlo, y que luego descartamos y olvidamos hasta que necesitamos nuevamente. Estos objetos pasan a ser parte de nuestras vidas de maneras muy variadas, bien sea parte del paisaje, de la polución cuando sus partes oxidadas contaminan cursos de agua, de la basura, de un accidente, etc. Con la minuciosidad y el método de un científico y con la estética de un artista, Montagne colecciona, cataloga, clasifica y atribuye jerarquía a estos objetos que encuentra casi a cada paso, en cualquier ciudad que visita.

Finalmente, la galeria Morgan Lehman de Connecticut, trajo una selección de trabajos de Darlene Charneco. Sus paisajes hechos a base de clavos, pins, y diferentes objetos sobre madera y resina son más alla de lo anecdótico, un estudio de relaciones y conexiones en el mundo actual. Desde obras en pequeño formato hasta mesas de más de un metro de diametro, todas las piezas llaman al espectador a un estudio exhaustivo de los circuitos, recorridos, cruces y relaciones entre los diversos objetos de la composición. Como una buena metáfora de las complejas estructuras y relaciones sociales de nuestro tiempo, los trabajos de Charneco convocan a la comtemplación y la reflexión.

Publicado en Leedor el 6-1-2005