Mar del Plata 2001

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El 16º Festival Internacional de Mar del Plata se llevó a cabo entre el 8 de marzo y el 17 de marzo del 2001. Armando D´Angelo lo cubrió para Leedor.CR�NICAS DE LA NOCHE DE LA APERTURA
Por Armando D´Angelo

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El jueves 8 de marzo como estaba previsto se realizó la Fiesta Inaugural; un evento reservado a un selecto grupo de invitados especiales. Lo que resulta extraño es que no todos los periodistas acreditados para cubrir los diferentes y posteriores Ciclos de films y conferencias contaron con el pase para presenciar la Ceremonia de Apertura, el show artístico y la proyección de la película que abriría las puertas al universo del festival.
Poniendo en práctica las sabias palabras de Claudio España, viví la noche desde todas sus perspectivas; sus conceptos resonaban en mi memoria cuando atravesaba el último control de acceso: ” . . . Algunos eventos pueden aparecer como restrictivos o prohibidos, pero al fin de una u otra forma se tiene acceso a ellos . . . “.
El Hall de la Sala Auditorium se colmó rápidamente con artistas, políticos, funcionarios de carrera y otros seres de vocaciones anónimas y de bajo perfil; en esa noche calurosa no faltaron ni la bebida ni un frugal y escultórico buffet froid diseñado y construído por Martha Minujín.

Esculturas unas de salami otras de queso y pan y otras de frutilla, la consigna era consumirlas y extinguirlas y por cierto que el plan se completó hasta dejar sólo su estructura de alambre tejido a la vista.

Espontáneamente el público fue pasando a la Sala y allí tras una muy breve introducción del Director Artístico, culminó su presencia en el escenario con su ya célebre arenga: ¡VIVA EL CINE!. Inmediatamente una intrascendente aparición de Adrián Suar y un poco más simpática y bella Cecilia Roth para hacer algunos anuncios. Y por fin el que sería el único brillo de la noche: Susana Rinaldi, su vigorosa gestualidad y un registro de voz monumental.
Con muchos espacios vacíos y desprolijidades nos acercamos luego a la proyección de la �pera prima de Lucrecia Martel. Si bien es una película que demuestra mucho talento y claridad en las imágenes y augura un porvenir más que feliz para los próximos trabajos de la directora no creo que la atmósfera opresiva que genera el film haya sido la mejor elección para una noche de fiesta y luces.

LAS CR�NICAS DE LOS MEJORES FILMS QUE VÍ EN EL FESTIVAL

LA CI�NAGA (THE SWAMP ): Dirección y guión: Lucrecia Martel. Producción: Lita Stantic. Fotografía: Hugo Colace. Dirección de arte: Graciela Oderigo. Escenografía: Cristina Nigro. Intérpretes: Graciela Borges, Mercedes Morán, Juan Cruz Bordeu, , Martín Ajdemián, , Daniel Valenzuela,, Diego Baenas,, Leonora Balcarce, Silvia Baile,Sofía Bertolotto, Noélia Bravo Herrera, María Micol Ellero, andrea López, Sebastian Montagna, Franco Veneranda,Fabio Villafañe. ( SECCI�N OFICIAL FUERA DE CONCURSO- ARGENTINA )
Para disfrutar el film, les recomiendo que no se sitúen en la cómoda ubicación de aquel espectador que espera cómodamente que transcurran una detrás de otras las acciones que tengan que ver con la resolución de la historia. El suspenso se genera a partir del mismo desconcierto frente a una pantalla en la que aparentemente nada pasa. Sólo se describe en ella, la decadencia evidente de un grupo familiar inmerso en sus sueños de grandeza y una tendencia al incesto difícil de controlar.
Aquí la estructura de gozo pasa por otro lado, por la sugerencia. Es significativa la preocupación por la creación de una atmósfera opresiva y lindante continuamente con la tragedia; que requiere de un sacrificio para apaciguar los ánimos y los humores de una naturaleza tormentosa y salvaje. Todos los personajes podrían ocupar el rol de la víctima; en todos ellos existe la marca de un peligro permanente acechándolos.
Es en esta original forma de plantear la estructura fundamental del film dónde se asienta la genialidad de Lucrecia Martel, pero no lo hubiera logrado sin las magníficas interpretaciones de sus actores sumado a la profundidad dramática de la fotografía y la excelencia de la dirección de arte. (A.D’A.)

GRACIAS POR EL CHOCOLATE (MERCI POUR LE CHOCOLAT): Dirección: CLAUDE CHABROL. Productor: Marin Karmitz. Guión: Claude Chabrol & Caroline Eliacheff ( del libro The chocolate Cobweb de Charlotte Armstrong. Fotografía: Renato Berta. Escenografía: Yvan Niclass. Sonido: Jean-Pierre Duret. Montaje: Monique Fardoulis. Música: Matthieu Chabrol. .Intérpretes: Isabelle Huppert, Jacques Dutronc, Anna Mouglalis, Rodolphe Pauly, Brigitte Catillon, Michel Robin. ( SECCI�N OFICIAL FUERA DE CONCURSO- FRANCIA )
Entre otras cosas; especula sobre que puede llegar a pasar en una familia, cuando uno de los hijos decide ejercer el derecho a conocer su identidad o si sus padres biológicos son los que siempre pensó que eran. Ante la duda de una joven adolescente su madre puede sentirse emocionalmente muy mal, sobre todo después de tantos años de crianza. Pero resolver la incertidumbre no significa cortar los lazos afectivos sino ganar otra familia.
Y MÁS CUANDO TODO PUEDE HABER OCURRIDO POR UN ACCIDENTE DE IDENTIFICACÃ?N EN LA CLÍNICA. ” . . . SI Ã?L ES TU PADRE YO NO SOY TU MADRE . . . .” : ES LA FRASE CON QUÃ? UNA MADRE SINTETIZA SU TOMA DE CONCIENCIA FRENTE A LA SITUACIÃ?N PERO TAMBIÃ?N SU DOLOR.
ESTA COMEDIA DRAMÁTICA HACE UN CLICK Y SE TRANSFORMA EN UN FILM DE SUSPENSO, QUE CON EL CORRER DE LOS MINUTOS ATRAPA MÁS Y MÁS. PARECE SER EL ÁMBITO ADECUADO PARA EL RECONOCIMIENTO Y EL REDESCUBRIMIENTO POSIBLE ENTRE LA JOVEN Y EL QUE SERÍA SU VERDADERO PADRE.
EL FILM ESTÁ ENMARCADO EN EL REFINAMIENTO Y LA INTENSIDAD DEL MUNDO DE LA M�SICA Y LOS M�SICOS, ASÍ NO ES RARO QUE LO QUE MÁS SOBRESALGACOMO CARACTERÍSTICO SEA EL SENTIDO DEL RITMO, LOS SILENCIOS Y LAS RUPTURAS, QUE SE ASOCIAN A LAS MIL MARAVILLAS CON LA OCURRENCIA DE LOS HECHOS.
No quiero revelar quién, pero la habilidad de uno de los personajes para hacer el mal, construye con sus acciones una telaraña en la que nadie está a salvo de quedar atrapado. (A.D’A.)

CON ÁNIMO DE AMAR ( IN THE MOOD FOR LOVE): Director – productor y guionista: WONG KAR-WAI . Fotografía: Christopher Doyle. Montaje: William Chang & Suk – Ping. Intérpretes: Maggie Cheung, Man – Yuk, Tony Leung, Chiu-Wai, Rebeca Pan, Lai Chen. ( SECCIÃ?N OFICIAL FUERA DE CONCURSO- CHINA).
Desde tiempos inmemoriales llega hasta nosotros la leyenda de un hombre que partió hacia la montaña; en la cima eligió un árbol, hizo un hueco en su tronco y acercándose a él susurró una confidencia y para que perdurara para siempre a buen resguardo, amasó barro con sus manos y selló la cavidad.
EL FILM ES BELLO EN SUS FORMAS Y EN SUS CONTENIDOS.LA PALETA DE COLORES Y LAS TEXTURAS DE LOS FONDOS NOS UBICAN CIERTAMENTE EN UNA ATMÃ?SFERA PICTÃ?RICA.
DE ESTE MISMO DIRECTOR SE ESTREN� EN BUENOS AIRES HACE UN PAR DE A�OS: HAPPY TOGETHER. CON UN SENTIDO ARTÍSTICO EXQUISITO Y DOTADO DE UNA EXTRAORDINARIA DELICADEZA PARA CONTAR LA HISTORIA, WONG KAR-WAI NOS RELATA UNA SORPRENDENTE HISTORIA DE AMOR E INFIDELIDADES.
AQUELLOS, LOS QUE FUERON ENGAÃ?ADOS; DESDE LA SORPRESA ,EL MUTUO RESPETO Y LA INGENUIDAD. SE ENCUENTRAN PARA TRATAR DE EXPLICAR COMO FUE QUE SE INICIÃ? LA RELACIÃ?N ENTRE SUS CÃ?NYUGUES. TRAS LA EXCUSA DE REALIZAR UN SIMULACRO SURGIÃ? UN AMOR CLANDESTINO IMPOSIBLE DE PERDURAR EN EL FUTURO. Y SERÁ TRATADO COMO LOS MARAVILLOSOS Y DULCES SECRETOS QUE SE RESGUARDAN DE LA MIRADA PÃ?BLICA. (A.D’A.)

CANCIONES DEL SEGUNDO PISO (SONG FROM THE SECOND FLOOR): Dirección y guión: Roy Anderson. Productora: Lisa Alwert. Fotografía: István Borbás – Jesper Klevenas. Sonido: Jan Alvermark. Música: Benny Anderson. Intérpretes: Lars Nordh, Stefan Larsson, Tommy Johansson, Joran Mueller. ( SECCIÃ?N PUNTOS DE VISTA – SUECIA ).
“. . . Amado sea el pobre pobre . . .” ( extracto de su poema: Traspié entre dos estrellas ) César Vallejo
Debo reconocer mi ignorancia acerca de la obra de César Vallejo pero me pareció interesante para aquellos que sí lo leyeron , supieran que su pensamiento es el que guía como el mascaron de un navío la esencia del film. Y específicamente de entre todos los textos posibles, el director interpreta con sus imágenes la siguiente poesía:
TRASPIÃ? ENTRE DOS ESTRELLAS
¡Hay gentes tan desgraciadas, que ni siquiera
tienen cuerpo; cuantitativo el pelo,
baja, en pulgadas, la genial pesadumbre;
el modo, arriba;
no me busques, la muela del olvido,
parecen salir del aire, sumar suspiros mentalmente, oír
claros azotes en sus paladares!

Vanse de su piel, rascándose el sarcófago en que nacen
y suben por su muerte de hora en hora
y caen, a lo largo de su alfabeto gélido, hasta el suelo.

¡Ay de tanto! ¡ay de tan poco! ¡ay de ellas!
¡Ay en mi cuarto, oyéndolas con lentes!
¡Ay en mi tórax, cuando compran trajes!
¡Ay de mi mugre blanca, en su hez mancomunada!

¡Amadas sean las orejas sánchez,
amadas las personas que se sientan,
amado el desconocido y su señora,
el prójimo con mangas, cuello y ojos!

¡Amado sea aquel que tiene chinches,
el que lleva zapato roto bajo la lluvia,
el que vela el cadáver de un pan con dos cerillas,
el que se coge un dedo en una puerta,
el que no tiene cumpleaños,
el que perdió su sombra en un incendio,
el animal, el que parece un loro,
el que parece un hombre, el pobre rico,
el puro miserable, el pobre pobre!

¡Amado sea
el que tiene hambre o sed, pero no tiene
hambre con qué saciar toda su sed,
ni sed con qué saciar todas sus hambres!

¡Amado sea el que trabaja al día, al mes, a la hora,
el que suda de pena o de vergüenza,
aquel que va, por orden de sus manos, al cinema,
el que paga con lo que le falta,
el que duerme de espaldas,
el que ya no recuerda su niñez; amado sea
el calvo sin sombrero,
el justo sin espinas,
el ladrón sin rosas,
el que lleva reloj y ha visto a Dios,
el que tiene un honor y no fallece!

¡Amado sea el niño, que cae y aún llora
y el hombre que ha caído y ya no llora!
¡Ay de tánto! ¡Ay de tan poco! ¡Ay de ellos!
CÃ?SAR VALLEJO

Quizás podrían considerarlo como el film más innovador y provocativo del festival. Recurriendo a una estética de perspectivas profundas, que abren el cuadro a interpretaciones artísticas , poéticas y humorísticas llevadas hasta el extremo expresionista dejándonos en estado de perplejidad, como el mismísimo rostro de los personajes que tratan de encontrar una respuesta a su tiempo de crisis.
El futuro de una sociedad sin destino es expresado en la pantalla. Imaginen que el director nos hubiera situado en el día del juicio final o en el purgatorio o en una región difusa en la que los muertos le piden explicación de sus conductas a los que aún están vivos pero no muy tranquilos con sus consciencias y que en un éxodo desesperado pero sin desprenderse del peso y la incomodidad de sus pertenencias huyen en masa hacia otro destino.
La puesta escenográfica es vanguardista, posee la monumentalidad de lo sublime y el ascetismo de un concepto pictórico desolado y compasivo. Los personajes transitan por ella con sus miradas perdidas y parcos en el decir, es que se encuentran demasiado agobiados, golpeados o arruinados, parece que los dioses los han abandonado definitivamente. Y sienten un peso enorme: ” . . . ¡ qué difícil resulta ser humano!. . . ¿Qué más se le puede pedir a un hombre? . . . “
La música sublime de un requiem acompaña el nacimiento de gags insospechados y desopilantes. Pero el trasfondo de esta comedia negra es conmovedor y está dedicada amorosamente para aquellos que sufren las más grandes de las carencias: ” . . . el que tiene hambre o sed, pero no tiene hambre con que saciar toda su sed, ni sed con qué saciar todas sus hambres . . .” (A.D’A.)

ANTES QUE ANOCHEZCA ( BEFORE NIGHT FALLS): Dirección: Julian Schnabel. Guión: Cunningham O´Keefe, Lázaro Gómez Carriles, Julian Schnabel ( Basado en Antes que anochezca de Reinaldo Arenas ). Fotografía: Xavier Pérez Grobet, Guillermo Rosas. Montaje: Michael Berenbaum. Música: Carter Burwell. Intérpretes: Javier Bardem, Olivier Martinez, Andrea Di Stefano, Johnny Depp. ( SECCIÃ?N PUNTO DE VISTA – ESTADOS UNIDOS )
” . . . La única diferencia entre el capitalismo y el socialismo cubano es que si te dan una patada en el culo; en Norteamérica podes gritar mientras que en Cuba debes callarte la boca . . .”
Reinaldo Arenas
La formación artística de Julian Schnabel excede y en mucho al lenguaje cinematográfico. En la pantalla es la mirada de un pintor la que retrata con su sensibilidad exquisita, la tortuosa vida que gracias a la Revolución Castrista debió experimentar el escritor cubano Reinaldo Arena. Su pecado fue ser homosexual y su talento parece no haber sido lo suficientemente reconocido como para superar la inflexibilidad de un tiempo político difícil para todo aquello que trascendiera y cuestionara una ética dogmática.
Vivir en la miseria mientras sus libros se vendían como pan caliente en el exterior, soportar la cárcel y los vejámenes y sólo por querer ser quien era; entre otras cosas un hombre libre con el don de la poesía . Que el Estado se meta y castigue algo tan íntimo como la sexualidad me parece una aberración.
Debo reconocer al mismo tiempo que no me agrada el discurso anticastrista, ni menos aún el bloqueo a que es sometida la isla. Pero si las situaciones por las que debió pasar Reinaldo son verídicas no me cabría más que un repudio ante ellas. Lo cierto es que Schnabel hace la crítica desde lo más profundo de la humanidad haciendo abstracción de la vulgaridad y lo panfletario del discurso ideológico habitual. Creo que estamos ante la desacreditación más fuerte y fundada expuesta hasta ahora sobre las consecuencias que la revolución tuvo sobre cientos de ciudadanos que creyeron que con ella también se abrían las puertas de la liberación en cuanto a las preferencias sexuales. Pero se equivocaron, pues fueron considerados por ella como enfermos y corruptos.
Pero no crean que las desventuras de este ser culminaron en América, allí también experimentó lo desalmada que puede ser la lógica de la política , pues sintió en carne propia como la salud es vista allí como un simple bien de intercambio del mercado y como también se le negó la posibilidad a una identidad.
Podría entonces sintetizar el film como la frustración de un poeta por hallar un lugar placentero en el mundo para poder habitar. (A.D’A.)

LA VIRGEN DE LOS SICARIOS (LA VI�RGE DES TUEURS / OUR LADY OF THE ASSASSINS) : Dirección: Barbet Schroeder. Producción: Barbet Shroeder y Margaret Menegoz. Guión: Fernando Vallejo. Fotografía: Rodrigo Lalinde. Dirección de arte: Mónica Larulanda. Montaje: Elsa Vásquez. Música: Jorge Arriagada. Intérpretes: Germán Jaramillo, Anderson Ballesteros, Juan David Restrepo y Manuel Busquets. ( SECCI�N AM�RICA LATINA XXI ).
Barbet Schroeder logró realizar una obra impactante; con una mirada sincera y dolida nos habla sobre el estado de las cosas en Colombia; ubica la acción en la ciudad de Medellín o como la rebautizaron Medallo o Metrallo. Allí regresa luego de 30 años de ausencia un escritor que ha viajado por todo el mundo y que ha vivido todo. En paz consigo mismo afirma que volvió para morir, que ya vivió todo lo que tenía que vivir y que lo que resta en su paso por este mundo podría considerarse como horas extras. Y vaya lugar que eligió para hacerlo; su tierra natal ya no es la misma, allí la vida no vale nada. Sus habitantes están envenenados por la ira y el asesinato se ha transformado en una estrategia habitual y aceptada para arreglar los conflictos con el otro, aún en cuestiones de poca monta que podrían considerarse como pequeñeces de convivencia domestica o de vecindad. El mejor consejo para salir bien librado es: Ver, oír y callar.
Es una sociedad en disolución en donde la droga y sus sicarios reinan, su ley es la que se impone. Se conmoverán al ver la degradación que sufre los niños, están expuestos a condiciones míseras de subsistencia y a la prostitución. Nada mejor que una frase de Fernando Vallejo para ilustrar el tema: ” . . . Los ojos de ese niño me miraron desde el fondo del infierno , desde la infamia de Dios . . .”.
El que relata siente pavor por esta realidad y su indignación recae tanto sobre la iglesia como sobre los políticos. A perdido la fé. Piensa que Dios consagró la impunidad al proponernos poner la otra mejilla y que las promesas electorales al asumir un nuevo gobierno son sólo un puñado más de mentiras e hipocrecía.
Quizás lo más terrible es que muestra como en los más pequeñitos el germen de la violencia ya instalado , aparentemente no hay salida posible; todos están inmersos en un círculo vicioso que se retroalimenta a cada instante en una espiral de autodestrucción y decadencia. (A.D’A.)

BEAU TRAVAIL ( HERMOSA TAREA / BEAUTIFUL WORN): Dirección: Claire Denis. Producción: Jérome Minet. Guión: Jean-Paul Fargeau – Claire Denis ( basado en la novela de Herman Melville). Fotografía: Agnés Godard. Dirección de arte: Salem Brahimi. Escenografía: Arnaud de Moleron. Música: Eran Tzur. Montaje: Nelly Quettier. Intérpretes: Denis Lavant, Michel Subor, Grégorie colin, Marta Tafesse Kassa, Richard Courcet & otros. (SECCIÃ?N : LA MUJER Y EL CINE – FRANCIA ).
Podría considerarla como una mágnifica y sublime expresión de la danza contemporánea que elige como escenografía de sus coreografías a la belleza misteriosa de una meseta pedregosa que cae sobre las aguas azules del Mar Rojo y como sus personajes, a una compañía allí destacada de la mítica Legión Extranjera.
Nos ubica en la intimidad de ese campamento; en su místico entrenamiento militar , en los detalles asombrosos de su rutina diaria en la que recios y musculosos cuerpos masculinos entrenados para matar toman contacto con la delicadeza y la obsesión más propia de lo femenino por el orden y la limpieza ; las cosas emparentadas con lo doméstico son una parte importante de su cotidianeidad , como el amor incondicional a sus superiores y las órdenes que estos imparten.
En esta familia tan particular se instalarán sentimientos humanos muy primitivos: los celos hacia el recién arribado, que con su carisma personal se constituye en una amenaza potencial para uno de los viejos integrantes del grupo y la reacción natural frente a la injusticia que provoca una tremenda tormenta interior impulsada por pasiones incontrolables expresadas en acciones maliciosas. Este es el motor de la historia de quienes tienen sus vidas estructuradas en un sentido muy rígido y pueden quedar en la más absoluta indefensión si tuvieran que continuarla de un día para el otro en la civilidad. (A.D’A.)

CRÃ?NICAMENTE IMPOSIBLE ( CRONICAMENTE INVIÁVEL / CHRONICALLY IMPOSSIBLE ): Dirección: Sergio Bianchi. Guión: Sergio Bianchi y GustavoSteimberg. Fotografía: Marcelo Coutinho y Antonio Penido. Dirección de arte: Pablo Vilar, Beatriz Blanco y Jean-Luis Lblanc. Montaje: Paulo Sacramento. Intérpretes: Umberto Magnani, Cecil Thiré, dira Paes, Betty Gofman, Dniel Dantas, Dan Filip Stulbach, Zezeh Barbosa, Leonardo Viera, Cosme dos Santos, Zezé Motta. ( SECCIÃ?N PUNTO DE VISTA – BRASIL)
Con un muy irónico sentido del humor , Sergio Bianchi investiga la realidad social Brasileña. Toma nota de los abismos que separan a las diferentes regiones del país y se plantea si realmente es viable hablar de la posibilidad de que subsista en el futuro una cultura nacional integradora de todos los matices o si bien triunfará el egoísmo y el racismo de los separatistas sureños que ven como una lacra y un peso innecesario de soportar para su economía al resto de los ciudadanos ubicados al norte de su región a quienes ven como incompetentes y vagabundos.
En su relato no sólo describe los mecanismos empleados por las clases dominantes para perpetuarse en el poder sino que también nos habla de la insensatez autodestructiva para relacionarse con la naturaleza. Y ella incluye el exterminio de los últimos pueblos indígenas del amazonas pero que por cierto tienen un análisis muy claro de lo que les ocurre. Se saben sometidos a una irracionalidad que expresa en el fondo una necesidad de ejercer la superioridad sin importar el costo y los medios. (A.D’A.)

LOS DESTINOS SENTIMENTALES ( LES DESTINÃ?ES SENTIMENTALES ): Dirección: Olivier Assayas. Fotografía: Eric Gotier. Intérpretes: Emmanuelle Béart, Charles Berling, Isabelle Huppert, Olivier Perrier, Dominique Raymond, André Marcon, Alexandra London. ( SECCIÃ?N OFICIAL FUERA DE CONCURSO – FRANCIA ).
Olivier Assayas se sitúa en un nivel de excelencia al que pocos pueden llegar con un film. La fotografía , el montaje, la reconstrucción histórica y lo vívido y cristalino de la descripción del mundo de relaciones sociales, afectos y productividad de una época de la historia francesa parecen no ser la creación de alguien de este mundo; pero sí, fue capaz de hacerlo un hombre. Entonces hoy podría asegurarles, que como nunca el lenguaje cinematográfico ficcional adquiere un valor fundamental en la actualización de la memoria de un pueblo.
Es impresionante como busca al personaje sobre el cuál dedicarle su atención; los susurrros, el gesto perdido o la observación reveladora y todo en una cadencia o ritmo que dibuja en un sutil ballet con la cámara. Sumado ello a la riqueza de un texto que conecta al film directamente con la riqueza del universo literario de una estética sublime y romántica capaz de representar en toda su intensidad al amor verdadero; es decir a la contemplación de la mujer amada sumergida en lo bucólico de la naturaleza, en el goce físico de entregarse a una caricia y al mismo tiempo ubicarnos en la eterna lucha de clases compartiendo los ámbitos y los aromas de una fiesta aristocrática o la imagen del esfuerzo puesto en un campo sembrado y su cosecha. (A.D’A.)

LES BLESSURES ASSESIN ( MURDEROUS MAIDS): Dirección: Jean- Pierre Denis. Guión: Jean-Pierre Denis – Michèle Harlberstadt, basado en la novela L´affaire Papin de Paulette Houdyer. Fotografía: Jean-Marc Fabre. Escenografía: Bernard Vezat. Montaje: Marie-Hélène Dozo. Intérpretes: Sylvie Testud, Julie-Marie Parmentier, Isabelle Renauld, Dominique Labourier, Jean-Gabriel Nordman, Marie Donnio, François Levantal. ( SECCIÃ?N OFICIAL EN CONCURSO – FRANCIA).
El film está basado en un hecho real . En el brutal asesinato cometido por las hermanas Papin sobre su patrona, la señora Lancelin y su joven hija Geneviève ; parecen estar contenidos todos los elementos de la tragedia clásica.
El director no oculta nada, expone crudamente la asfixiante y miserable historia de vida de las hermanas; la relación incestuosa y amorosa que las vincula, la carencia de una familia contenedora, las humillaciones que sufren en su mundo laboral y el momento crítico y explosivo de furia frente a un destino imposible de felicidad que las acorrala.
Frente a la densidad de lo expuesto estoy seguro que a muchos espectadores se les ocurrirá luego preguntarse sobre la justicia en este mundo azaroso y despiadado que nos toca vivir y sobre las consecuencias de una infancia desprotegida y carente de afectos. (A.D’A.)

INFIDELIDADES ( TROL�SA /FAITHLESS ):Dirección: Liv Ullmann. Basado en un guión de Ingmar Bergman. Productor: Kaj Larsen. Director de fotografía: Jörgen Persson (FSF) . Director de Arte: Göran Wassberg. Vestuario: Inger E. Pehrssom. Montaje: Sylvia Ingemarsson. Intérpretes: Lena Endre, Erland Josephson, Krister Henriksson, Thomas Hanzon.
El punto inicial de un cambio en la vida puede asentarse en un instante de inconsciencia . . . en un dejarse llevar por las circunstancias. Así es como luego, rememorando los acontecimientos; una mujer descubre reflexionando, el origen de su nueva realidad: ” . . .Me escuché decir algo que no debí decir…”
¡Qué imprevisibles son los sentimientos humanos ! y llegado a cierto punto de confort tanto material como afectivo ¡cuán insaciables y arriesgados podemos llegar a ser! , hasta el punto de perder la estabilidad sobre esta tierra.
Bueno, lo que verán es el despliegue auténtico y descarnado de las pasiones; un matrimonio conformado por seres civilizados y brillantes, con una pequeña hijita y sin crisis de por medio, abruptamente sucumbe , se quiebra.
Sin especulaciones de ningún tipo, una mujer opta por otro destino y les aseguro que renuncia a mucho de lo que la mayoría añora . Es la fuerza incontenible del placer la que la guía y obnubila.
Y lo trágico es que los adultos, la mayoría de las veces están tan encerrados en su devenir que pierden la perspectiva sobre el mundo real y como influyen con sus conductas en el ánimo de sus pequeños hijos.
Si lo que les conté les resultó interesante, imaginen las formas sutiles adoptadas por el film; en las que como en un juego de cajas chinas los personajes presentados como reales al fin sólo pertenecen al mundo imaginario aunque auto-referente de la vida de un viejo director de cine que experimenta vívidamente el guión, quizás de su próxima película y que también podría llegar a representar su propio pasado. (A.D’A.)

LA SOMBRA DEL VAMPIRO (SHADOW OF THE VAMPIRE): Origen y año: Estados Unidos/ Reino Unido, 2000. Duración: 93 minutos. Director: E.Elias Mehrige. Guionista: Steven Katz. Editor: Chris Wyatt. Música: Dan Jones. Director de fotografía: Lou Bogue. Diseñador de producción: Assheton Gorton. Director de arte: Christopher Bradley. Diseñadora de vestuario: Caroline De Vivaise. Diseño de maquillaje/ peinado: Ann Buchanan. Efectos especiales: Rick Wiessenhann. Productores: Nicolas Cage – Jeff Levine. Intérpretes: John Malkovich, Willem Dafoe, Cary Elwes, John Alden Gillet, Eddie Izzard, Udo Kier, Catherine McCormack, Ronan Vibert.
Este film adquiere su fuerza combinando el horror y lo fantástico. Las imágenes ubican la mirada del espectador en una atmósfera de refinamiento visual exquisito y constituye algo así como la versión oficial de los hechos ocurridos durante la filmación de “Nosferatu” la antológica obra de Friedrich Wilhelm Murnau.
Este terrorífico e inquietante make-off resulta más que convincente y creíble; “La sombra del vampiro” no sólo actualiza la mitológica imagen del Conde Drácula , también rememora para las nuevas generaciones la pasión ,los conceptos y los valores artísticos que Murnau ponía en sus películas: ” . . . Somos científicos ocupados en la creación de memoria . . . No necesitan actuar, necesitan ser . . .”, textos aproximados a estos escuchaban sus actores antes que la cámara comenzara a correr.
Este es el camino propuesto por el director , nos conduce por zonas muy profundas; allí dónde el límite de la ficción y la realidad se vuelven difusos y dónde los miedos metafísicos encuentran su mejor alimento. (A.D’A.)

LOS PREMIADOS

JURADO DE FIPRESCI:
MEJOR PELÍCULA DE AM�RICA LATINA: DE IDA Y VUELTA ( DE SALVADOR AGUIRRE- M�XICO)
MEJOR FILM: CONFORT MODERNE ( de Dominique Choisy,Francia)
JURADO DE OCIC:
MENCIÃ?N ESPECIAL: SOY YO EL LADRÃ?N de JACEK BROMSKI ( PORQUE HASTA EN
LAS CIRCUNSTANCIAS COMPLEJAS Y CORRUPTAS ES POSIBLE VISLUMBRAR LA ESPERANZA Y LA REDENCIÃ?N. UNA OBRA QUE LOGRA RESCATAR LOS VALORES MORALES EN LA MARGINALIDAD).
GRAN PREMIO: CASAS ABANDONADAS ( LAURI TÃ?RHÃ?NON, FINLANDIA): POR MOSTRAR EL TRIUNFO DE LA VIDA SOBRE LA GUERRA, UN FILM ANTIBELICISTA QUE RESCATA EL VALOR DEL AMOR Y LA FAMILIA EN UN CONTXTO DE HORROR Y DESESPERANZA.

JURADO OFICIAL:
Mención especial: a Rosa María Sardá, por su magistral interpretación en Anita no pierde el tren.
Premio especial del jurado: “La ciudad de las mujeres”
Ombú de Plata mejor película Iberoamericana: “Anita nopierde el tren”.
Ombú de Plata mejor guión: Soy yo el ladrón.
Ombú de Plata mejor actriz: Julie Marie Parmentier (Les Blessures Assassines).
Ombú de Plata Mejor Actor ex- aequo: Ulises Dumont /Federico Luppi ( Rosarigasinos).
Omb̼ de Plata Mejor Director: Jean РPierre Denis (Les Blessures Assassines ).
Ombú de Oro mejor película: ” Soy yo, el ladrón “

CRÃ?NICAS DE LOS FILMS PREMIADOS
Por ARMANDO D´ANGELO
FILMS PREMIADOS POR EL JURADO OFICIAL:
OMB� DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA:
“ANITA NO PIERDE EL TREN”: Dirección y Producción: Ventura Pons. Guión: Ventura Pons – Luis Anton Baulenas. Fotografía: Mario Montero. Dirección de arte: Bel Lo Torras. Montaje: Pere Abadal. Música: Carles Cases. Intérpretes: Rosa María Sardá, José Coronado, María Barranco, Jordi Dauder.
Recurriendo a una extrema sensibilidad y un sutil sentido del humor Ventura Pons pone a consideración del público la angustia que sufre una mujer madura frente a la inflexibilidad del tiempo y las nuevas y discriminatorias pautas de preferencias estéticas impuestas por el mercado para continuar siendo exitoso.
Con un optimismo romántico el director demuestra como también para los seres anónimos catalogados como antiguos o desactualizados existe la oportunidad de ser redescubiertos y amados en el momento menos pensado. (A.D’A.)

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:
“LA CIUDAD DE LAS MUJERES”( SHAR – E ZANAN / CITY OF THE WOMAN ):Dirección y guión: Ataollah Hayaty. Fotografía: Reza Razi. Intérpretes: Chacame Chaman-Mah, Ramin Rastad, Hengame Farazmand, Manuchehr Azar.
En una sociedad machista existe un período consagrado en el año a la posibilidad de vislumbrar como sería el sentido de justicia sobre los actos de la comunidad vistos exclusivamente por el tamiz de la mirada femenina. La dictadura de la mujer queda establecida. Su objetivo de máxima es sacar la maldad de los corazones para evitar cualquier pensamiento que implique el mal al otro y los hombres lo respetan como lo legal.
Es un día muy movilizador para el pueblo, a sus habitantes se los ve inquietos y dinámicos.
En medio de este acontecimiento festivo social, una joven lucha por diseñar libremente su futuro, tanto en lo profesional como en lo afectivo. Le resulta inaceptable que las costumbres elijan el hombre de su vida o limiten sus aspiraciones de conocimiento. Su opción es transitar por el camino del amor para romper con la intolerancia.
A sólas, en privado; sin ojos que los observen, los enamorados se reconocen mutuamente. (A.D’A.)
OMB� DE ORO MEJOR PELÍCULA:
“SOY YO, EL LADRÃ?N” (TE JA, ZLODZIEJ/IT´S ME, THE THIEF): Dirección y guión: Jacek Bromski. Fotografía: Witold Adamek. Música: Henri Seroka, Conjunto Dzem. Intérpretes: Jan Urbanski, Zbigniew Dunin, Kozicki, Januz Gajos, Daniel Olbrychski.
Se trata de una descripción descarnada sobre como un niño intenta progresar socialmente superando su desastroso , triste y condicionante origen familiar y como el mundo de los adultos explota su debilidad , teniendo reservado sólo una puerta delincuencial para su futuro y su talento. Sin embargo lo que aparece como fatalmente predestinado puede ser torcido por la pureza de su corazón que por suerte no es ciego ante la mano que alguien le tiende.
Quizás su instante de buena fortuna se deba a los rezos de su abuelita: ” . . . Dios apiádate de mi nieto, que sea bueno aunque esté rodeado de putas y ladrones . . .” (A.D’A.)

FILMS PREMIADOS POR LA FIPRESCI
MEJOR FILM DE LATINOAMÃ?RICA:
“DE IDA Y VUELTA” ( TO AND FROM ): Dirección: Salvador Aguirre. Guión: Salvador Aguirre- Alejandro Lubezki. Fotografía: Gerónimo Denti. Dirección de arte: Guillermo Cossio Díaz. Montaje: Moisés Ortiz Urquidi. Música: Jorge Fratta. Intérpretes: Gerardo Taracena, Ricardo Esquerra, Tiaré Scanda, Alfonso Mier y Terán, Jesús Ochoa, Cristina Michaus, Alejandro Parodi.
Volver a la tierra natal como exitoso habiendo salido de ella como perdedor; representaría un avance notable en el ánimo y la personalidad del emigrante.
Pero a veces las cosas no resultan como lo soñado y si el expulsado tácitamente del hogar arriesga un retorno, por todos los medios intentará presentarse reluciente y progresista con respecto a la imagen de la partida; aún falseando ante sus viejos conocidos la verdad de su presente.
En la línea fronteriza que divide los Estados Unidos de Norteamérica y México, coexisten dos realidades sociales y económicas diametralmente opuestas. Del lado latino sigue existiendo una relación de poder casi medieval entre los que ostentan el poder y los ciudadanos del llano; precisamente son aquellos que pueden llegar a ser menospreciados y discriminados aún para sus propios compatriotas, llamándolos despectivamente como indios.
Los propietarios de las haciendas poseen una mentalidad muy alejada de cualquier standard de humanidad políticamente aceptable.
Y si el director nos propone arriesgarnos a conocer sentimental y socialmente la particularidad de una región olvidada de Latinoamérica; creo que debemos tomar conciencia sobre la impunidad que algunos ciudadanos aún pueden ostentar como derecho adquirido sobre los otros. (A.D’A.)

MEJOR FILM:
“CONFORT MODERNO” (CONFORT MODERNE): Dirección y guión: Dominique Choisy. Fotografía: Isabelle Czaika. Montaje: Laure Blancherie. Música: Philippe Le Baraillec. Intérpretes: Nathalie Richard, Valérie Mairesse, Jean-Jacques Vanier, Jean Michel Noirey, Stephan Lara, Sabrina Leurquin, Julia Bonté.
Inesperadamente nos situamos ante un film de suspenso sumamente refinado; que no desaprovecha la oportunidad para dar cuenta de una realidad social despiadada de nuestra contemporaneidad. Nos habla de la mentalidad de un cuadro gerencial que administra el poder del sistema financiero y que está absolutamente adherido y entrenado a sus intereses; son inflexibles en cuanto a los deudores. Su mentalidad no reconoce ningún tipo de atenuantes, ni siquiera la solidaridad circunstancial ante un par de clase que puede terminar viviendo en la calle y de la buena voluntad de quien esté dispuesto a otorgarle una limosna como único recurso.
Por obra y gracia del destino, una mujer que ostenta el poder para bajar o subir el pulgar a cerca de quiénes permanecerán como miembros respetables de la comunidad, tendrá la maravillosa oportunidad de tomar conciencia y en carne propia de que nadie es invulnerable a la tragedia.
Pero que además para salir adelante frente a una crisis profunda y personal, el afecto del otro es necesario; la propia voluntad no basta. ¡Qué importante sería que un aliento de humanización se filtre subversivamente en la rigidez de un mundo planificado y seguro para pocos!
La incertidumbre avanza entonces como terrorífica y desestructurante en la realidad de quién suponía su futuro asegurado. Vaya sorpresa, ni siquiera es capaz de reproducir en la intimidad de su hogar sus dotes de dirección.
Lo importante es que un ser fuertemente asimilado al statuo quo sea capaz de cambiar sus percepciones íntimas. Es allí cuando el film adquiere un mensaje optimista.
No todo está perdido aún; algunos resquicios favorables a la felicidad de la inmensa mayoría persisten. (A.D’A.)
FILMS PREMIADOS POR LA OCIC
GRAN PREMIO:
CASAS ABANDONADAS (ABANDONED HOUSES): Dirección: Lauri Törhönen. Fotografía: Robert Nordström. Dirección de arte: Risto Karhula. Montaje: Tuula Mehtonen. Música: Tuomas Kantelinen. Intérpretes: Jonna Järnefelt, Mats Längbacka, Sari Puumalainen, Carl-Kristian Rundman.
La realidad que debe enfrentar cualquier población civil desprotegida y sorprendida por los horrores de la guerra sin importar su ubicación geográfica o social trata el film.
Violentamente cambian sus prioridades . Y lo que siempre resultaba como un disfrute habitual puede convertirse a partir de ahora en un acto de heroísmo.
Se presenta como un homenaje a quienes poseyeron el valor para hacer frente al agresor que destruyó su atmósfera bucólica y romántica pero también como un mensaje tácito contra la guerra.
Seguramente muchas familias tendrán muertos que llorar y las mujeres transformar sus dulces conductas en extrema firmeza ante la ausencia de sus hombres.
Iniciar un éxodo continuo abandonando sus pertenencias y años de trabajo, es la conducta que se repite una y otra vez; todo lo material que refuerza su memoria quedará a un lado del camino. Es un tiempo en el que se exige al espíritu una notable disposición para la aceptación de todo tipo de desprendimientos, la consigna para sobrevivir parece ser : “andar liviano”.
Vivir en un tiempo de caos, sentir que los empujan hacia el borde de un precipicio . Enfrentar en la pantalla los ojos desorbitados de un hombre que presiente la llegada de la muerte. Vaya que son emociones fuertes las que nos propone el director. Y entonces se comprende muy bien cuando un hombre en medio de la guerra, reflexiona y desea que el embarazo de su mujer culmine con la llegada de una niña. Quizás para contribuir en el futuro con una mirada más piadosa y conciliadora frente a los conflictos. (A.D’A.)

UNA Ã?LTIMA MIRADA AL FESTIVAL
Por Armando D’Angelo
En su 16º versión, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata Argentina ha demostrado que el mundo del espectáculo no necesariamente debe encuadrarse en la banalidad , la frivolidad o servir de instrumento para la dominación y el mantenimiento del statu quo. Por el contrario, los temas abordados por la gran mayoría de los films seleccionados en todas las secciones, describieron descarnadamente las miserias de nuestra civilización expresadas fundamentalmente en las mil y una caras de la violencia: el mal trato de los niños, el abuso sobre las mujeres, la discriminación en todas sus formas imaginables y un concepto para ejercitar la justicia absolutamente descolocado frente a las circunstancias de la vida real. Se ha demostrado al fin, que la industria cinematográfica también puede tener una mirada crítica y reflexiva del universo que nos rodea. Con salas colmadas en cada función y una organización que priorizó la puntualidad y la información impresa como valor fundamental para cumplir, fue posible que surgiera una relación de confianza y respeto para con el espectador. Considero que la riqueza de un Festival cinematográfico no se agota en la sección competitiva, no se sorprendan entonces si mis films predilectos están casi en su totalidad fuera de ella. Por último quisiera resaltar el inmenso trabajo realizado por el equipo de Mónica Bartolomé en el subtitulado electrónico, fue impecable. Y también las sabias y premonitorias palabras y el acertado criterio de años y años de experiencia en el ámbito de las muestras cinematográficas demostrado por Claudio España, el Director Artístico: ” . . . Algunos eventos pueden aparecer como restrictivos o prohibidos, pero al fin de una u otra forma se tiene acceso a ellosÂ?”.

Publicado en Leedor el 24-3-2001